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The Hateful Eight

the hateful eight locandinaTu sei… The Hateful Eight, giusto, è il tuo film? Sono il signor Serenate, scrivo recensioni.

TRAMA: Alcuni anni dopo la fine della Guerra Civile americana, otto loschi personaggi si ritrovano in una baita sui monti del Wyoming, bloccati da una tempesta di neve.

RECENSIONE: Ottavo lungometraggio diretto da Quentin Tarantino, The Hateful Eight è uno sporco e ruvido affresco del selvaggio ovest, caratterizzato in particolare da uno spiccato elemento social-politico che veicola in parte un atto di critica nei confronti dell’America e del suo concetto di giustizia.

L’ambientazione temporale lo rende infatti un crogiolo di conflitti di varia natura: in primis l’ovvio contrasto razziale, con il difficile rapporto tra bianchi e neri che viene acuito dal contrasto presente inoltre anche tra bianchi (dell’Unione) e altri bianchi (Confederati).

Coloro che prima erano fratelli uniti sotto la medesima bandiera e la stessa aquila diventano perciò nemici mortali, combattenti in un conflitto interno di sanguinose proporzioni sia materiali che morali, il quale crea una profonda spaccatura sociale dall’impervio risanamento.

the hateful eight scena

Ottimo l’aspetto prettamente tecnico: regia e montaggio riescono ad enfatizzare ogni scena sapendo dove porre l’occhio e come aggregare le immagini tra loro in modo da favorire lo scorrimento del film nelle varie sequenze.
Ritmo lento e posato durante i dialoghi di spiegazione che fungono da background, esplosivo nei passaggi maggiormente improntati sull’azione.

Notevole fotografia di Robert Richardson, soprattutto per quanto riguarda le scelte di luce con il prosieguo della trama e l’esaltazione del sangue o di alcuni dettagli.

the hateful eight scena 2

In The Hateful Eight sono ovviamente presenti gli elementi tipici della filmografia del regista nato in Tennessee: personaggi dalla caratterizzazione quasi stereotipica ma dal tratteggio efficace e dialoghi tanto frizzanti quanto caustici che si prestano ad un ampio citazionismo vengono immersi in una copiosa dose di violenza.

I personaggi di questo film sono i classici characters à la Tarantino: come in un Cluedo brusco e polveroso, ognuno di essi incarna a suo modo una tipica figura del genere western, risultando intrigante senza però costituire un banale copia-incolla di cose straviste, ma scolpendo individui interessanti che lo spettatore possa facilmente individuare.

Non abbiamo i colori ad indicare gli uomini (White, Blonde, Pink…), ma le professioni (Boia, Cacciatore di taglie, Sceriffo, Veterano…) e ciò consente quindi al pubblico di avere davanti agli occhi un gruppo di personaggi piuttosto nutrito ma che non richiede loro eccessivo sforzo di memoria. Tale fattore ha l’importante funzione di diminuire le distanze mentali tra audience e movie, rendendo l’opera più immediata per chi vi assista.

Se vi dicessi che in una magione ci sono sei personaggi sospettati dell’omicidio di un dottore, probabilmente avreste paura di faticare a tenerli presente tutti, ma se io ve li chiamassi Colonnello Mustard, Miss Scarlett, Reverendo Green e via a seguire, lo sforzo svanirebbe.

the hateful eight cast

Dai personaggi si passa ai dialoghi, probabilmente l’elemento più celebre di questo regista e sceneggiatore.

Aspre, offensive, velenose e sarcastiche, le parole che escono dalle bocche dei personaggi sono un florilegio di durezza tagliente così pregna di ironia nera da risultare quasi poetiche, e contribuiscono a tratteggiare alla perfezione le rispettive caratterizzazioni personali.

Non posso citarne onde evitare di fare spoiler, ma alcuni dei racconti esposti durante la pellicola sono difficilmente dimenticabili. Magari non aspettatevi un Ezechiele 25. 17, una filosofia basata sul non lasciare mance o il dilemma dell’essere o meno persuasi, essendo The Hateful Eight come già detto un’opera maggiormente socio-politica, ma sicuramente la sceneggiatura centra l’obiettivo e lascia il segno.

the hateful eight

La violenza, infine, è quella già presentata nelle altre pellicole dalla medesima provenienza: gli esseri umani sono palloncini formati per il 90% da sangue, che zampilla vermiglio da fontane di carne diventate meri contenitori di fluido.

In un’ambientazione fissa che ricorda molto Le iene e che segna nettamente il “dentro” e il “fuori” si hanno otto personaggi in cerca non d’autore ma di guai, ognuno con una storia alle spalle che lo contraddistingue e lo mette in relazione coi suoi compari di abitazione rendendo l’atmosfera elettrica.
Un barile di polvere da sparo dalla miccia sempre più corta che può deflagrare senza preavviso scatenando conseguenze inaspettate.

the hateful eight

Per questo progetto, l’abitante di Taranto ha riunito un ricco cast formato prevalentemente da assidui interpreti delle sue opere e attori-feticcio.

Spicca sicuramente tra gli altri un Samuel L. Jackson particolarmente sulfureo e a cui si devono i maggiori riferimenti alla storia e alla cultura statunitense del passato. Partendo da essi possono essere fatti numerosi collegamenti con la società attuale e la sua idea di giustizia, ed è qui che si vede il tocco di uno sceneggiatore: raccontare il passato per criticare il presente (coff coffManzonicoff coff).

Kurt Russell grizzlesco con la sua figura possente, i suoi occhi glaciali ed i suoi baffi da tricheco, riesce ad infondere un’aura di potenza e di timore intorno a lui, molto efficace per la caratterizzazione del suo Boia.

Ottima prova di una Jennifer Jason Leigh quasi stregonesca, spesso con uno sguardo psicopatico, sfuggente e spiritato che la rende continua fonte di imprevedibilità.

the hateful eight jennifer

Presenti inoltre Tim Roth, che per Tarantino è stato Mr. Orange ne Le iene e Pumpkin in Pulp Fiction, il “solito” dolente Michael Madsen (Victor “Mr. Blonde” Vega e Budd in Kill Bill) e l’ottimo Walton Goggins, nei panni di un Chris Mannix che risulta uno dei personaggi più interessanti del film.

Nel complesso un ottimo film, che riesce ad unire in un efficace connubio una trama interessante, i tratti distintivi del regista e stoccate al fosforo nei confronti di una società che forse, in alcuni aspetti, non è cambiata molto nell’arco di centocinquant’anni.

C’era una volta il West

In principio era l’Armonica.

TRAMA: Un pistolero conosciuto come Armonica approda in un avamposto nel deserto del Mojave in cerca di vendetta, e qui incrocerà i destini di una avvenente ex-prostituta a cui hanno ucciso a sangue freddo il nuovo marito e di un romantico fuorilegge chiamato Cheyenne. Se la dovranno vedere con un perfido magnate delle ferrovie e il suo killer.

RECENSIONE: Questa pellicola può essere considerata in maniera molto semplice e diretta un capolavoro, che rimarrà scolpito nella storia del cinema come il “Non fornicare” sulle tavole della Legge del patriarca ebreo Mosè. Sergio Leone, uno degli orgogli della penisola italica insieme al cibo, alle automobili e alle belle figliole, crea un acquerello di polvere di qualità incredibilmente alta, con personaggi meravigliosi e vicende appassionanti per lo spettatore, che rimane incollato allo schermo nonostante le quasi tre ore di durata. Le distese desertiche della California sono realizzate con un tale uso della luce che sembra di essercisi immersi dentro, creando una notevole immedesimazione (oltre che una gran sete). I personaggi errano per queste distese sterminate accompagnati solo dal loro cavallo e la loro colt risultando delle icone, e infatti sono rimasti nella memoria di chi ha visto il film e anche di quelle persone che non lo hanno ancora ammirato (peste li colga) ma che sicuramente ne hanno sentito parlare, a meno che non provengano dal pianeta Marte. È proprio questo il risultato di una sceneggiatura che non lascia nulla al caso e che intreccia molte vicende senza impallarsi: creare una spina dorsale salda e forte che possa resistere all’oblio del tempo. Charles Bronson nei panni di Armonica è semplicemente perfetto, e in questo caso le sue poche espressioni non sono una limitazione, anzi, contribuiscono alla creazione della maschera del soggetto che sta interpretando, il quale se la gioca con il Giustiziere della Notte che arriverà decenni dopo. Jason Robards come bandito ha una carica e allo stesso tempo un dolore interno che riescono ad armonizzarsi alla perfezione ed è molto bravo a trasmetterli. Henry Fonda in versione killer spietato è probabilmente uno dei migliori cattivi della storia del cinema, in un ruolo a cui non era propriamente abituato. Claudia Cardinale è una delle visioni più belle, affascinanti ed erotiche che occhio umano abbia mai avuto la fortuna di incrociare, con occhi penetranti, labbra perfette e un fisico per cui anche il più duro e puro dei cowboys alla John Wayne ucciderebbe. Per concludere Ennio Morricone ci dona (perché un’opera musicale è da considerare un regalo) un’altra perla di colonna sonora, ed è talmente fuori categoria che è quasi un insulto fargli un complimento.

Django Unchained

La “D” è muta.

TRAMA: Django è uno schiavo che viene affrancato dal dottor Schultz, un dentista tedesco diventato cacciatore di taglie. Insieme cercheranno di liberare la moglie di Django, che si trova in una piantagione gestita dallo schiavista Calvin Candie.

RECENSIONE: Opera numero sette di Quentin Tarantino come regista, il film è un omaggio ai cosiddetti “spaghetti western” (western all’italiana, realizzati da metà anni ’60 a fine anni ‘70), da cui riprende anche il nome del personaggio principale, interpretato da Franco Nero per la regia di Sergio Corbucci nel 1966.

La pellicola ha tutti gli elementi “Made in Tarantino”: ironia talvolta sottile talvolta esagerata, dialoghi e situazioni pungenti, personaggi smussati con l’ascia e orgasmi di violenza; tutto ciò al servizio di un’ottima sceneggiatura (scritta anch’essa da Tarantino, ça va sans dire) in cui i protagonisti e i caratteristi sguazzano beati come limoni tra le cozze ognuno portando avanti il suo percorso, circondati da un’atmosfera western allo stesso tempo ricercata nei costumi e kitsch nei modi.

In mezzo a fiumi di sangue nuotano i due protagonisti Jamie Foxx (che vinse l’Oscar nel 2005 impersonando Ray Charles), nei panni di uno schiavo scatenato (letteralmente) cazzuto e tenero, combinazione che lo rende allo stesso tempo un eroe e un bastardo, trasformandolo da Cappuccetto Rosso a lupo famelico, e Cristoph Waltz (Oscar nel 2010 per il gerarca nazista Hans Landa di Bastardi senza gloria), ironia e raffinatezza al vetriolo unite a sorrisi da cobra, per la seconda volta il regista del Tennessee gli cuce addosso un personaggio sfaccettato e mai banale. All’angolo opposto di questo ring polveroso troviamo Leonardo DiCaprio, che interpreta un ruolo la cui visione è consigliata a tutte le persone che di lui hanno nella testa solo Shutter Island (ottimo film fin per carità, ma perché così osannato dal pubblico a dispetto di tanti altri non si capisce bene) o peggio ancora il Jack di Titanic (sì, si fida di te, Cristo!): come schiavista razzista e psicotico è una meraviglia e un divertimento per gli occhi, per di più se ci aggiungiamo la spalla d’eccezione Samuel L. Jackson, vecchio nero più razzista dei bianchi stessi.

Dopo Jackie Brown, omaggio alla blaxploitation, Tarantino esplora un altro sottogenere a lui personalmente molto caro, e lo fa prendendo in prestito inquadrature (primi piani intensi alla Sergio Leone, tra le altre cose), situazioni e piccole chicche sceniche o di montaggio; il risultato è un ottimo film, divertente e godibile, nonostante il genere di appartenenza non sia più nelle sue decadi migliori. Da segnalare la fotografia di Robert Richardson (3 Oscar della categoria sul groppone) e le musiche, nella scelta delle quali il buon Quentin immagino si sia divertito un sacco.

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