L'amichevole cinefilo di quartiere

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Silence

silence-posterfilm_scorseseVows are spoken to be broken
Feelings are intense, words are trivial
Pleasures remain so does the pain
Words are meaningless and forgettable.

TRAMA: XVII secolo. Due padri gesuiti portoghesi partono per il Giappone con l’intento di ricercare il loro mentore, padre Ferreira, e radicare nelle isole la fede cristiana. Verranno presto a conoscenza, e ne saranno vittime, delle tremende persecuzioni che lo shogunato applicava ai danni dei convertiti al cristianesimo.
Tratto dal romanzo Silenzio (1966) di  Shūsaku Endō.

RECENSIONE:

Ambientato all’inizio del periodo Sakoku, politica autarchica e restrittiva nei confronti delle relazioni estere attuata in Giappone dal 1641 al 1853, Silence è un film estremamente ricco di temi che toccano vari campi dell’animo umano (religione, filosofia, storia, psicologia) e si condensano in un’opera cinematografica pregna e vibrante.

Il principale leitmotiv della trama, focalizzata sulla ricerca di un vecchio mentore perdutosi in un territorio lontano ed ostile (che può far avvicinare la pellicola al romanzo Cuore di tenebra ed al capolavoro cinematografico ad esso legato Apocalypse Now) diviene via via solo uno spunto per l’esplorazione del rapporto tra l’uomo e la fede.

Spunti importanti in tal senso derivano dallo sviluppo psicologico ed umano del portoghese Sebastião Rodrigues (un intenso Andrew Garfield), immerso insieme al collega ed amico Francisco Garupe in un Paese totalmente diverso per cultura e tradizioni rispetto all’Europa, e dovendovi aiutare la germogliazione della religione cristiana.

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Numerosi i paragoni verbali tra gli uomini ed il regno vegetale, con la dottrina gesuita paragonata ad una pianta che può trovare terreni più o meno favorevoli per la sua prospera crescita, e sul sottile legame tra radici umane più o meno forti ed un ambiente non necessariamente adatto alla gemmazione.
Uomo e natura divengono così tutt’uno, ed il mondo umano razionale viene paragonato alla naturalità di una normale crescita vegetale, unendo due importanti sfere dell’immanenza.

Il giovane religioso, inoltre, durante il corso della sua missione è pressato in maniera sempre più opprimente e affossante dal silenzio della divinità, che conduce l’uomo al dubbio ed alla spossatezza mentale oltre che fisica.
Immerso in una sofferenza endemica, Rodrigues lotta per trovare un conforto tanto umano (attraverso il rapporto con le poche popolazioni locali ancora fedeli alla dottrina cristiana e per questo perseguitate) quanto divino, affinché egli possa rinsaldare nel proprio cuore la certezza di operare nel giusto e sotto l’occhio benevolo di Dio.

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Importante poi anche il legame storico-economico tra le potenze europee ed un Giappone lontano ed esotico, inquadrato sotto un’ottica commerciale e di conquista da parte del Vecchio Continente, che attraverso i suoi emissari fatica però a comprendere storia e cultura del Paese orientale.
I giapponesi si chiudono a riccio non accettando un ruolo ancillare di reverenza europeista, reagendo con forza e terribile persecuzione nei confronti di una dottrina a loro estranea tanto per cultura vera e propria quanto per impostazione mentale di approccio al culto.
Per evidenziare tutta la ricchezza e l’importanza di questi spunti di riflessioni sono molto importanti i dialoghi tra il giovane Rodrigues e le figure che via via si trovi ad incontrare lungo la sua missione, dato che ognuna di queste gli offre spunti di confronto affinché possa aprire la sua mente per comprendere il Giappone.

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La religione diventa sforzo e fatica, non solo in una direzione esterna legata al proselitismo osteggiato dallo Stato, ma anche interiormente, con un Dio come già detto presente nell’animo ma assente in una dimensione materialista e pratica che possa fare da conforto per l’uomo debole.
Tale debolezza umana è messa in evidenza inoltre da uno dei personaggi secondari, che continuando a fallire e a cedere alle minacce simboleggia la difficilmente correggibile attitudine al peccato insita nell’uomo.

Il peccatore può cercare il perdono per le proprie mancanze attraverso una confessione catartica, ma tale meccanismo è destinato ahilui a ripetersi, in un circolo di sbagli e redenzione, con il suo animo irrimediabilmente vaso di coccio tra vasi di ferro.

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Visivamente ottima la fotografia di Rodrigo Prieto, con un uso quasi estremo dei toni di blu per gli esterni iniziali evidenziando l’oppressività e la tristezza dell’ambiente, uniti ad un’acqua (mare, fiumi e soprattutto moltissima pioggia) come fonte sia di vita che di afflizione derivante dal divino.

Con il passare dei minuti vengono usati via via toni più caldi nelle ambientazioni di interni, a simboleggiare sia il calore del conforto di gruppo sia il ribollire dell’animo del gesuita, via via sempre più insicuro e combattuto tra deliranti visioni messianiche e scontro con la dura realtà che aspra lo circonda.

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Ottimi tutti gli attori.

Andrew Garfield nonostante non abbia ancora raggiunto quella fama incontrastata presso il grande pubblico che consenta ad un interprete di reggere il film davanti ad uno spettatore digiuno di nozioni cinematografiche, alterna una vasta gamma di emozioni per il suo padre Rodrigues, mettendo in scena un personaggio molto più sfaccettato di quanto possa inizialmente sembrare.

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Adam Driver, dalla notevole trasformazione fisica (ventidue chili persi tra preparazione al ruolo e riprese) è un Garupe più ortodosso del compare ed in alcuni frangenti quasi più cinico, e ciò consente di avere un buon bilanciamento espositivo di coppia.

Piace infine rivedere Liam Neeson in un ottimo film autoriale dopo una lunga parentesi di ripetitivi action movies disimpegnati.

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Ottima anche la vasta gamma di interpreti giapponesi, tra cui spiccano Tadanobu Asano come interprete e punto di unione tra il gesuita ed il Giappone, Shinya Tsukamoto come devoto cristiano, Yōsuke Kubozuka nei panni di uno sfortunato peccatore e lo spietato quanto pratico Inoue di Issei Ogata.

Un’opera ricchissima di spunti di riflessione importanti, che molto si presta ad un dibattito seguente la sua visione e che tocca profondi temi dell’animo umano in modo efficace ed acuto.

The Wolf of Wall Street

the-wolf-of-wall-street-la-locandina-italiana-del-film-295742“Money, money, money / must be funny / in the rich man’s world” – Money money money – ABBA (1976)

TRAMA:  Tratto dall’omonimo libro autobiografico. L’ascesa e il declino dello spregiudicato truffatore Jordan Belfort nella capitale del guadagno: Wall Street.

RECENSIONE: I soldi fanno la felicità, e ne fanno anche tanta.
Chi pensa il contrario è perché ne ha parecchi, e quindi non deve preoccuparsene.
O perché è un completo idiota.

Prendete il buon Hugh Hefner, ideatore e padrone di Playboy: voi leggete questa recensione nel momento in cui l’arzillo ottantasettenne se ne sta beato nella sua mega villa con piscina, bevendo cocktail circondato da pettorute donnine in bikini (o anche senza).
Pensate, lui lo fa tutto il giorno. Tutti i giorni.

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Ma sto divagando. Il punto su cui si concentra maggiormente il film riguardo ai soldi è: quanto siamo disposti a spingerci oltre e cosa siamo disposti a fare per ottenerli?

Regia di Martin Scorsese, famoso per avere un rapporto Oscar vinti/bravura vergognosamente basso che ritorna sul grande schermo a distanza di due anni dal bel Hugo Cabret (2011), qui al suo quinto film con Leonardo DiCaprio dopo Gangs of New York, The Aviator, The Departed – Il bene e il male Shutter Island.
Filmetti, insomma.

La parola d’ordine della pellicola è esagerazione.
Di ogni cosa, ma in particolare delle tre D.

Il denaro deve essere sempre di più, bisogna averne fino a non sapere come spenderlo. Se sei povero devi diventare benestante, se sei benestante devi diventare ricco e se sei ricco devi diventare ricchissimo.
Le droghe devono avere ogni effetto possibile e immaginabile, e devono essere di ogni varietà possibile e immaginabile. Mai essere sobri, perché la sobrietà porta alla mediocrità.
Le donne devono essere le più belle, le più sexy e le più zoccole. Fare. Sesso. Sempre. E. Comunque.

Il denaro. Le droghe. Le donne.
Se hai il primo, ti puoi sballare con le altre due.

A sinistra il vero Jordan Belfort

A sinistra il vero Jordan Belfort

The Wolf of Wall Street segue il percorso professionale e umano di un uomo arrivista e battagliero, ricordando per alcuni tratti una parabola evangelica, ambientata però quasi due millenni dopo la morte di colui che le raccontava.
Il film mostra il kitsch e l’eccesso sfrenato (economico e comportamentale) che un arricchito manifesta, diventando una sorta di uomo-macchina che viene valutato non per il suo essere ma per il suo avere.

Una meravigliosa commedia nera in cui, anche grazie ad un sapiente uso della voce fuori campo e a continui sfondamenti della quarta parete (a proposito, ottimi i doppiatori italiani, in particolare Francesco Pezzulli voce storica di DiCaprio), lo spettatore simpatizza e patteggia per uno degli stili di vita più affascinanti e allo stesso tempo esecrabili che la società porti ad assumere.

Il connubio regia-fotografia è eccezionale, creando attraverso inquadrature, immagini e colori un arazzo visivo ed economico che è contemporaneamente un’acuta critica nei confronti della società plutocratica, che in molti disprezzano, e un’esaltazione di ciò che le enormi ricchezze possono portare nella vita di una persona.

Il fattore estetico avvolge come i muscoli sulle ossa la sceneggiatura di Terence Winter, già sceneggiatore e produttore della serie tv Boardwalk Empire, di cui Scorsese ha diretto il primo episodio, oltre ad esserne anch’egli produttore.
È un vero peccato che al grande pubblico non gliene possa fregare di meno dello script (così come della regia, del montaggio, della fotografia, dei costumi, della colonna sonora…), perché qui ne abbiamo uno ottimo, che ci fa osservare la scalata all’irraggiungibile Himalaya del successo attraverso scelte illegali ed immorali, unicamente mosse dal già citato unico obiettivo della ricchezza.
L’acquisizione attraverso il denaro della possibilità di guardare il mondo dall’alto in basso.

the wolf of wall street money

In un film basato sulle tre D (non come Avatar, quello è basato sul 3D), abbiamo come protagonista la quarta D.
Leonardo DiCaprio interpreta in maniera eccezionale come mimica, gestualità e intensità recitativa un altro personaggio letteralmente immerso nei soldi dopo quelli de Il grande Gatsby e Django Unchained, e come il character nato dalla penna di Francis Scott Fitzgerald anche Jordan Belfort (presente nel film in un cameo) ha una forte connotazione di patetismo nella vita che persegue instancabilmente: essere così di successo (seppur illegalmente) nel proprio lavoro mette in risalto ancora di più i problemi della sua vita familiare, cosa che lo rende agli occhi di uno spettatore attento un semplice pesce che cerca con tutte le sue forze di diventare sempre più grosso in un enorme mare.
L’ho già detto e lo ripeterò fino allo sfinimento: grazie a Dio (quinta D?) questo bravissimo attore si è scollato di dosso la figura del ragazzetto bidimensionale innamorato di Titanic per prendere di petto la recitazione portando agli spettatori personaggi complessi, maturi e sfaccettati.

I giurati dell’Academy hanno purtroppo improvvisi attacchi di sbadatezza tali da dimenticarsi sovente di lui; potrei dirvi un puerile “quest’anno ha buone possibilità di vincere l’Oscar”, ma è un discorso già sentito le volte precedenti, quindi non mi pronuncio.

Jonah Hill pacioso di aspetto ed esagitato di comportamento, peccato che non riesca a staccarsi definitivamente dai filmacci comici molto sopra le righe “alla Apatow”; se lo farà potrà dare un buon contributo al cinema in termini di personaggi fuori di testa.
Nel ruolo della “duchessa” la bella e desnuda Margot Robbie, il cui sex appeal è stato recentemente dichiarato illegale dal Parlamento Europeo; una delle direttive del film è che per gli uomini altolocati le donne costituiscano degli accessori (sessuali) al pari delle cravatte e degli orologi, quindi la sua recitazione punta molto di più sul fascino e sulla nudità che non sulla profondità psicologica.
Detto in termini più sbrigativi: il suo personaggio è bidimensionale, ma in questo caso non è un difetto.

Piccola ma memorabile parte per Matthew McConaughey, che forse sta passando al Lato Chiaro del cinema ora che non mostra (solo) il fisicaccio, nei panni del primo guru del protagonista; Jean Dujardin con la faccia da smargiasso che si ritrova sta benissimo nei panni di personaggi al limite della legalità, Jon Bernthal (nel recente Il grande match) mostra i muscoli o poco più e Jon Favreau è credibile come avvocato più o meno quanto Schwarzenegger come gesuita.
Spicca l’onesto Kyle Chandler come personificazione della nemesi di ogni uomo ricco.
La legge. 
   

Ottima la già menzionata fotografia di Rodrigo Prieto (Argo), che crea un connubio con la regia molto efficace ed interessante. Azzeccate le musiche del titano di tale arte Howard Shore, con una ricca colonna sonora comprendente brani che spaziano dai Foo Fighters a Billy Joel a cover di Simon & Garfunkel; molto buono il montaggio di Thelma Schoonmaker, collaboratrice storica di Scorsese (e con più Oscar in bacheca di lui).

Veramente un ottimo film.

Eh, i soldi…

"Toro di Wall Street", scultura in bronzo collocata a Wall Street di Arturo Di Modica

“Toro di Wall Street”, scultura in bronzo di Arturo Di Modica collocata a Wall Street

Se vi è piaciuto potrebbero piacervi anche: Due parole: Martin. Scorsese. O anche Wall Street (1987) di Oliver Stone, che sono sempre due parole.

Cose nostre – Malavita

cose-nostre-malavitaCazzo.

TRAMA: Giovanni Manzoni è un ex gangster mafioso che si è pentito e ha testimoniato contro i suoi capi; per questo motivo lui e la sua famiglia vivono sotto copertura grazie al programma di protezione testimoni dell’FBI. Trasferitisi in Normandia cercheranno di svolgere una vita tranquilla e normale…

RECENSIONE: Adattamento cinematografico del romanzo Malavita del francese Tonino Benacquista, il film è diretto, scritto e prodotto da Luc Besson, che quando non perde tempo a dirigere pellicole tratte dai suoi stessi libri (!) dimostra di essere un buon cineasta.

Accantonato infatti Arthur e il popolo di ‘sta ceppa, Besson porta sullo schermo un atto d’amore nei confronti delle pellicole gangsteristiche anni ’70, ’80 e ’90 con alla base italoamericani fumantini, nuclei familiari numerosi e tanti interessi illeciti da difendere. Gli omaggi sono evidenti ma il regista francese aggiunge un tocco d’estetica personale che non rende Cose nostre – Malavita solo un pallido facsimile ma un’opera divertente e frizzante, che scorre liscia come l’olio d’oliva intrattenendo lo spettatore per 110 minuti senza annoiarlo.

L’inchino di fronte a maestri come Scorsese, in particolare in una scena, è permeato dal rispetto nei confronti dei Grandi della settima arte, e per un cinefilo costituisce una vera chicca per gli occhi. L’appassionato ringrazia e si può considerare lo spezzone come la ciliegina sulla torta che continua il leitmotiv del film: prendersi sul serio ma non troppo, riconoscendo che le pellicole che hanno scolpito la storia del cinema sono sempre fonte di ispirazione indipendentemente dal tempo che passa.
Un vero peccato che la tendenza degli anni Duemila sia di buttare tutto ciò che è passato cercando una continua fonte di novità, la quale non potrebbe però sussistere senza le fondamenta date da indovinate cosa? Sì, proprio dal passato.

Vergognatevi.

La sceneggiatura riesce ad unire l’atmosfera malavitosa con quella intima del focolare, rimanendo relativamente classica ma senza risultare eccessivamente scontata. Molto presente l’ironia, con tantissime battute e qualche gag ricorrente che portano una piacevole atmosfera di convivialità ai personaggi.

Robert De Niro torna a ciò che più gli compete (basta commedie romantiche e film d’azione ignoranti!) e offre un’interpretazione crepuscolare dotata di una buona dose della già citata ironia. Perfettamente a suo agio nei panni del capofamiglia italoamericano duro ma dal cuore tenero, il neo più famoso del mondo (con Marilyn) aggiunge una pellicola che, insieme a Il lato positivonobilita l’ultima parte della sua carriera, in cui sono purtroppo presenti molti scivoloni.

La dama Michelle Pfeiffer, sempre più affascinante e magnetica, è ottima qui nel ruolo di matrona con gli attributi. La ventisettenne Dianna Agron, ex Glee, penso e temo sia stata presa più per la (notevole) bellezza che per le sue doti recitative ma non è neanche così male come ci si potrebbe aspettare. Tommy Lee Jones è nato per fare il poliziotto cazzuto ed offre un’ottima spalla ai battibecchi in stile vecchietti davanti al cantiere con il nostro Bob.

Molto buona la fotografia di Thierry Arbogast.

Nota per i distributori del Bel paese: tradurre il titolo originale del film The Family ne La Famiglia era chiedere troppo? Sarebbe rimasto comunque un rimando alla doppia dimensione famigliare/mafiosa senza che sembrasse troppo radicato in Italia. O senza che ci fosse un’assonanza con la stupida espressione “mie cose”/”sue cose” che si riferisce a…

Se vi è piaciuto potrebbero piacervi anche: i film “seri” dello stesso genere. Riprendere quindi Coppola e Scorsese, che non fa mai male.

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