L'amichevole cinefilo di quartiere

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Solo: A Star Wars Story

Han ha recensito per primo.

TRAMA: Ambientato diversi anni prima rispetto a quanto raccontato nel film Guerre Stellari. Impegnato in un’avventura nel mondo della criminalità, il giovane Han Solo incontra il suo futuro copilota Chewbecca e si trova invischiato in un conflitto tra ladri…

RECENSIONE:

Riassunto del percorso produttivo di questo film:

– La lavorazione inizia il 30 gennaio 2017.

– Il 21 febbraio Disney e Lucasfilm annunciano ufficialmente l’avvio delle riprese e pubblicano la prima foto del cast principale riunito sul set.

– In maggio la Lucasfilm sostituisce il montatore scelto inizialmente, Chris Dickens, con Pietro Scalia; inoltre viene riportato che era stato assunto un acting coach per il protagonista Alden Ehrenreich, poiché i dirigenti non erano soddisfatti della sua performance.

– Il 20 giugno viene riportato che i registi Phil Lord e Christopher Miller avevano lasciato la produzione per “divergenze creative” con la Lucasfilm, la quale a sua volta annuncia che un nuovo regista sarebbe stato scelto nell’immediato futuro.

Variety e The Hollywood Reporter pubblicano che il duo era stato licenziato dopo mesi di attrito con la produzione, in particolare con Kathleen Kennedy, presidente della Lucasfilm, e Lawrence Kasdan, uno degli sceneggiatori, che non approvavano il loro metodo di lavorazione e il loro approccio al personaggio di Han Solo.

Lo stesso Ehrenreich era preoccupato e, mentre le riprese procedevano, ha cominciato a temere che lo svitato approccio comico di Lord e Miller stesse iniziando a interferire con la vera essenza di Han Solo: pare che l’interpretazione a volte si avvicinasse addirittura a quella di Jim Carrey e del suo Ace Ventura.

Secondo ancora quanto riportato da The Hollywood Reporter, Lord e Miller avrebbero infatti permesso agli attori di improvvisare molto sul set, allontanandosi dalla storia scritta dai fratelli Kasdan: venivano girati infatti numerosi take seguendo la sceneggiatura, per poi rifare nuovamente la stessa scena in modo più libero.

La Lucasfilm sarebbe stata inoltre insoddisfatta dai pochi angoli di ripresa utilizzati dai registi, che diminuivano le opzioni disponibili in sala di montaggio.

Per andare incontro ai due, la Lucasfilm propose loro di essere affiancati dallo stesso Kasdan in qualità di “regista ombra”, ma la coppia rifiutò, portando alla cessazione del rapporto lavorativo.
La decisione di licenziare Lord e Miller venne prese durante una breve pausa nella lavorazione, presa per visionare il materiale girato.

A long time ago / We used to be friends…

– Il 22 giugno viene annunciato che Ron Howard avrebbe sostituito Lord e Miller alla regia del film per le restanti tre settimane di riprese, oltre che per cinque settimane di riprese aggiuntive necessarie per rigirare parte del film, pare il grosso di quanto già realizzato.

– Nel settembre 2017 Howard annuncia la presenza nel cast di Paul Bettany, chiamato a sostituire l’attore precedentemente scelto per interpretare in CGI l’antagonista principale, poiché egli per altri impegni lavorativi non poteva essere disponibile per le riprese aggiuntive.

– Il 17 ottobre 2017 Howard annuncia la fine delle riprese e il titolo ufficiale del film, mentre la post-produzione è terminata il 22 aprile 2018, circa un mese prima della sua uscita nelle sale.

Per chi non mastichi molto il processo realizzativo pratico di un’opera cinematografica, una semplificazione tendenzialmente esatta è che le pellicole che attraversino il cosiddetto “developing hell” risultino poi delle cagate abominevoli.

Qualcuno ha detto Fant4stic?

Quindi la domanda delle domande è: Solo: A Star Wars Story è quell’esplosivo geyser escrementizio che tutti gli indizi fanno presupporre?

In parte sì.

Ma avrei detto peggio.

Solo è forse paradossalmente un film il cui risultato complessivo è migliore della somma delle sue parti prese singolarmente. Per quanto rimanga un’opera non eccelsa, se alcune delle sue relative componenti ondeggiano tra il pessimo ed il mediocre, lo spettacolo totale non è così insufficiente come potrebbe sembrare.

In questi casi è quindi utile esaminare i vari settori uno ad uno.

Punto debole del film è sicuramente la fotografia.

Non so se tale scarso risultato sia dovuto alla fretta nel concludere il lavoro o semplicemente abbiano sballato con il chroma key, ma le scelte cromatiche di molte scene mi sono sembrate piuttosto bizzarre.

Capisco la volontà di giocare con le sfumature di una stessa tinta cromatica, ma in Solo si ha spesso un pastrocchio ultrasaturo che non aiuta a sfruttare efficacemente i soggetti presenti nelle inquadrature.

Le scene blu non sono blu: sono un mare notturno in tempesta mentre su una piattaforma fatta di Viagra si gioca un’amichevole tra Francia e Italia con un maxischermo che trasmette un concerto dei Blue Man Group.

Sì, insomma, sono troppo blu.

Le scene grigie non sono grigie: sono un panorama industriale ottocentesco ripreso in una giornata di nebbia durante un flash mob di brizzolati vestiti con abiti fumo di Londra a cavallo di elefanti.

Sì, insomma, sono troppo grigie.

Anche per quanto riguarda il cast ci sono dei problemi.

Se il buon Ehrenreich viene, come prevedibile, piallato alla Wile E. Coyote dall’incudine di iconicità del personaggio a cui presta il volto unita al carisma del suo interprete originario, c’è da dire che almeno risulta credibile come versione giovanile e in formazione dello stesso.
Guascone e con un senso della legalità molto elastico, ma ancora non il prezzolato avventuriero biscazziere con un metro di pelo sullo stomaco che conosciamo in Una nuova speranza.

Non è a caso come Ryan Gosling giovane Kevin Sorbo, per intenderci.

Il cast di contorno segue però il solito pattern di molti film ad alto budget, perciò abbiamo:

comprimari interpretati da buoni attori che nella carriera hanno fatto cose decisamente migliori: tra Woody Harrelson che dimostra di essere probabilmente quello più in palla del cast e una Thandie Newton che, poverella, si sbatte anche ma le hanno affibbiato una tizia che per importanza narrativa è intercambiabile con uno scolapasta, spicca il buon Paul Bettany, dall’interpretazione basilare quanto la tabellina del due nel ruolo di un villain carismatico come un parchimetro.

Simpatico ma un po’ troppo sul macchiettistico Childish Gambino Donald Glover come Lando Calrissian.

“Mmh, certo che questa scena è proprio blu…”

spalle comiche di dubbio gusto: se l’alieno in CGI doppiato in originale da Jon Favreau lo si può trovare sul vocabolario sotto il lemma “inutile”, il robot femminista è una presenza che sfonda prepotentemente i confini dell’irritante, piagato anche da una sceneggiatura che tenta, ovviamente non riuscendoci, di ficcare in gola allo spettatore una sorta di empatia nei suoi confronti.

Nettamente più divertenti i battibecchi tra Han e Lando.

un personaggio femminile scritto male ed interpretato peggio da quella Emilia Clarke a cui Hollywood sta provando in ogni maniera di costruire una carriera fuori dalle lande di Westeros.

Daenerys Traguitta si dimostra però un’attrice scarserella, anche in questo caso penalizzata più del necessario da uno script che fa sembrare la sua Qi’ra emotivamente piatta (e la scarsa abilità dell’interprete di certo non aiuta…) affibbiandole inoltre dei randomici atti di tostaggine esagerati che la ammantano di ridicolo involontario.

Paradossale la condizione di Dottoressa Jeckyll e Ms. Hyde della Clarke: se nelle interviste le sue ormai iconiche sopracciglia ballerine le conferiscono un’espressività esagerata ai limiti del cartoonesco, è strabiliante constatare quanto nei film la sua capacità attoriale spesso rasenti quella di un termosifone di ghisa.

Sono felice. O forse compiaciuta. O forse sto pensando a come fregarti. O forse mi sono resa conto del cachet…

Anche la sceneggiatura mostra più di un punto debole, oltre a quelli già menzionati relativi alla costruzione dei personaggi: alcuni elementi paiono infatti buttati sullo schermo a casaccio solo per il raggiungimento delle due ore di durata, ed emerge inoltre una mal eseguita gestione della lunghezza delle scene.

Si hanno infatti dei segmenti narrativi eccessivamente brevi, su cui magari ci si sarebbe potuti soffermare più a lungo per esplorare meglio le dinamiche tra i personaggi ed imbastire un setting emotivo maggiormente approfondito (soprattutto all’inizio, per instaurare empatia anche nei confronti di personaggi sconosciuti), mentre altre spezzoni sono veramente troppo lunghi, sincopando ritmo inutilmente non capendo quando sarebbe stato più opportuno tagliare ed avanzare ad un altro tema.

Quindi, questo film è un porcata?

No, è solo mediocre.

O scarso. Dipende dalla vostra magnanimità.

Al di là di ogni sua mancanza, Solo: A Star Wars Story possiede un pregio che ben poche opere cinematografiche appartenenti a saghe celebri dimostrano, e nonostante tutti i deficit consegna al film uno spettacolo senza infamia né lode per coloro che cerchino il mero disimpegno.

Solo è un film conscio dei propri limiti, che non tenta assolutamente di mettere al fuoco della carne che non possa gestire o di assumere quel tono inutilmente pomposo che poi gli si rivolterebbe contro (vero, Gli ultimi Jedi?), ma si limita giustamente ad un’avventura tra ladri, contrabbandieri, pirati, schiavisti, feccia e malvagità varia con qualche scena d’azione girata sufficientemente bene, un paio di battute simpatiche e la riproposizione di personaggi già noti.

Una pellicola quindi essenzialmente “umile”, che va ad incastrarsi nell’intricato groviglio narrativo che è ormai diventato Guerre Stellari senza scompaginare troppo i piani generali e strizzando di tanto in tanto l’occhio al fan limitando però il fan service.

Rogue One è migliore? Decisamente sì, ma si possono abbandonare le eventuali remore dovute alle falle sia della trilogia prequel che di quella in conclusione l’anno prossimo e godersi lo spettacolo.

E come sempre, che la Forza sia con voi.

 

 

P. S. Ace Ventura sarebbe comunque stato meno imbarazzante di questo:

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Deadpool 2

Volete il bis? Meglio preparare lo zabaione…

TRAMA: Il mercenario mutante Deadpool si ritrova a dover contrastare un nuovo nemico, il totemico Cable, arrivato dal futuro per uccidere un ragazzo.
Al gruppo di strani personaggi dell’avventura precedente si aggiunge tra gli altri anche Domino, capace di controllare le probabilità…

RECENSIONE:

Seguito di Deadpool di un paio d’anni fa, questo film…. oh, ma ci sei?

Ah, sì, scusa, mi ero un attimo distraPerché adesso sono azzurro??

Perché così visivamente balzi di più all’occhio e mi permette di sfruttarti in modo più efficace come pretesto per sviluppare meglio il mio giudizio sul film.

Ah, sì, me lo avevi spiegato anche l’altra volta, meta-narrazione o quella robe lì… però aspetta, se sono una parte della tua coscienza allora voglio che mi immagini come una delle personalità di Sylvester Stallone in quel grande classico americano: Spy Kids 3D!

Preferirei evitare.

Adam Sandler in Jack & Jill?

Piuttosto la morte… che ne dici di Fredric March ne Il dottor Jekyll del 1931? Ci ha anche vinto un Oscar…

Mark Ruffalo in The Avengers? Ha incassato un miliardo e mezzo, quindi vuol dire che è bellissimo, giusto?

Non provo nemmeno a spiegartelo… ok, Jim Carrey in Io, me & Irene: più vergognosamente in basso di così non scendo.

Accettato.

Uff, dicevamo, per la regia di David Leitch, che sostituisce Tim Miller dopo il primo episodio, Deadpool 2 è un superhero movie spassoso e leggero, che riesce a mantenere lo spirito del suo predecessore coniugando occhio al meteorite un’atmosfera sboccata e scanzonata a personaggi fuori di testa e scene d’azione adrenaliniche.

Esplosioni, sparatorie e fendenti di spada la fanno da padrona, con il nostro eroe che utilizza ogni mezzo a propria disposizione per regalare al pubblico scene di esagitato divertimento.

Si conferma quindi la solita, divertentissima somarata senza alcun senso razionale che

Ma che figata, da adesso la stupidità nei film è un pregio! Quando ci facciamo la maratona Transformers?

Nel duemilafottiti.
Non è così semplice, bisogna attuare una distinzione importante all’interno del meraviglioso e fatato mondo dell’idiozia: così come nel primo film, in Deadpool 2 la sfrenata deficienza presente lungo i centoventi minuti di durata possiede una caratteristica fondamentale per fare sì che il film non scada nell’orrido.

È volontaria.

I personaggi, i dialoghi, i risvolti della trama, i poteri stessi degli improbabili eroi, le dinamiche tra i characters… tutto è volutamente sopra le righe e senza freni, ed il risultato è un giocoso casino in cui nessuno si prende mai sul serio: lo stesso Deadpool, grazie ai numerosissimi sfondamenti della quarta parete e ad una buona autoironia da parte di Ryan Reynolds, è estremamente scanzonato e quasi surreale nella sua paciosa ultraviolenza.

La mia generale critica negativa alla stupidità nel cinema nasce invece dal fatto che, spesso, si rivelano intelligenti come un preservativo di cioccolata delle pellicole che teoricamente dovrebbero risultare seriose: questo è in assoluto il caso peggiore, perché si ha un’opera che suscita l’effetto radicalmente opposto rispetto al suo stesso obiettivo.

Tipo quando si vedono dei mega-scienziati intelligentissimi che fanno robe da poveri coglioni?

Esatto, oppure i casi in cui il film dovrebbe essere figo e accattivante ma risulta solo una incorreggibile e sifilitica puttanata machista.

Tipo quello con Bruce Willis che deve trivellare l’asteroide?

Cazzo, hai preso proprio il peggiore.

Comunque sì.

All’effetto comico contribuisce sicuramente, oltre all’ovvia assurdità del personaggio principale, un uso piuttosto disinvolto del linguaggio, ricchissimo di parolacce, sconcerie varie e carriolate di doppi sensi sessuali.

Sì, le cazzate sul sesso, quelle mi fan ridere un fottio!

E lo sai perché sono comiche? Perché il rapporto sessuale rimanda inevitabilmente all’immagine dell’unione degli organi genitali, con il pene e la vagina che congiungendosi esorcizzano la cenofobia, o “paura del vuoto”, l’horror vacui che è uno dei timori ancestrali dell’essere umano.

Ah… davvero?

Ovviamente no, coglione.

Fanno ridere perché in primis si è naturalmente sorpresi che in un film su tizi vestiti attillati che sparano computer grafica dalle mani vengano pronunciate determinate espressioni: un po’ l’effetto di sentire Renzo Arbore portare a Sanremo Il clarinetto.

Chi??

Sei una bestia.

In secundis queste gag portano il nostro inconscio a rendersi conto del grottesco e dell’assurdo di elementi che nella nostra vita sono comuni: situazioni imbarazzanti nelle quali, bene o male, buona parte della popolazione può riconoscersi.
In questo, la risata ha un atto semplicemente liberatorio, perché ciò che è tabù e può essere visto come una cosa imbarazzante viene ridicolizzato esorcizzando il tabù stesso.

Oltre al sesso, possono rientrare in tal senso le gag sulla morte, o sulla vita ultraterrena. Non a caso molte barzellette vertono su questi argomenti.

Ad ogni modo, bisogna tenere presente che il fattore tabù è semplicemente un elemento che potenzia la battuta, non la rende automaticamente più divertente.
Se invece una persona ride a prescindere, semplicemente è un idiota senza capacità di discernimento tra ciò che ha valore e cosa ne manca.

Del tuo discorso astratto ci ho capito poco o niente, ma mi fido.

“Un viaggio di mille miglia comincia sempre con il primo passo”, lo disse un grande filosofo.

Trapattoni?

No, cane, intendo un vero filosofo, un vecchio pensatore del passato…

Trapattoni È un vecchio pensatore del passato…

Non è Trapattoni!

Come sequel inoltre Deadpool 2 non è affatto male, poiché riesce a non fossilizzarsi su di una facile ripetizione dei medesimi stilemi di plot, anzi, sviluppandoli ed ampliandoli grazie all’inserimento dei nuovi personaggi che offrono il fianco a simpatiche dinamiche intranarrative, come ad esempio il lamentarsi di eventuali facilonerie tipiche dello script stesso.

Tradotto in un italiano comprensibile?

C’è il “due” nel titolo ma non è la stessa zuppa, quindi è un buon sequel, come Terminator 2, Shrek 2…

Una poltrona per due…

Lasciamo perdere.

Nel cast di contorno ritroviamo il Colosso in CGI (spassosi i suoi battibecchi con il protagonista), il tassista Dopinder, Testata Mutante Negasonica e i membri della nuova X-Force.
Particolarmente divertenti alcuni piccolissimi camei, che non spoilero ma che contribuiscono all’atmosfera surreale della pellicola.

Oh, ma proposito del cast, ma la polemica su Domino nera?

Beh, la mia opinione è… ‘sticazzi.

Che la Domino di Zazie Beetz non ci azzecchi nulla esteticamente con la sua versione classica è lapalissiano, ma va anche tenuto presente che l’appartenenza etnica non è una delle sue caratteristiche preponderanti.

Non è un personaggio storico o con stretto legame con la zona geografica di riferimento (come in Gods of Egypt in cui gli dei egiziani erano tutti bianchi e addirittura un DANESE nei panni Horus, o Exodus, con Mosè ed il faraone caucasici), quindi che l’attrice sia afroamericanotedesca (?) non è un elemento a cui mi senta di caricare particolare importanza.

Ah, quindi per il colore dei personaggi dei fumetti ce ne sbattiamo le palle?

Beh, no, dipende da QUALI personaggi dei fumetti si sta parlando.

Un esempio abbastanza chiaro che ti posso fare è Magneto: Erik Lehnsherr è ebreo, e DEVE essere ebreo, perché dalle persecuzioni che ha ricevuto nascono il suo rancore, il suo dolore ed il suo desiderio di rivalsa nei confronti degli umani, delle cui più bieche malvagità ha potuto subire effetto diretto.

Togliere la sua appartenenza giudaica snaturerebbe il personaggio, eliminandone un quid caratteristico molto importante per la sua delineazione introspettiva, e quindi impoverendolo notevolmente.

Tornando quindi al discorso iniziale, non trovi anche tu che la diatriba Domino bianca / Domino nera sia piuttosto speciosa?

Non lo so.

Non sai se è speciosa?

Non so che vuol dire “speciosa”.

Vuol dire “di poco valore”.

Beh, non è “specioso” che sia un gran bel pezzo di…

Per concludere, Deadpool 2 è un film divertente e disimpegnato, utile per una serata spassosa per tutta la famiglia che…

Beh, “tutta la famiglia” no, c’è mica il divieto per i minori?

No, negli Stati Uniti c’è il divieto per i minori di 17 anni non accompagnati da adulti, in Italia il film è per tutti: bollino verde.

È un’altra presa per il culo?

No, sono serio: ti ricordi che in sala con noi c’era un bambino di quattro anni?

Secondo te quante battute ha capito?

Per il suo futuro sviluppo psichico, spero il meno possibile. C’è altro o posso terminare?

Ah, sì, un’ultima roba: mi spieghi perché il finale di Infinity War è una presa per il culo?

Non ci sei arrivato? Il finale è una presa in giro perché

Loro 2

Meno male che il cinema c’è.

TRAMA: Continua l’esplorazione e il racconto di Paolo Sorrentino della vicenda biografica e politica di Silvio Berlusconi.

RECENSIONE:

Se nel precedente film venivano introdotti i personaggi senza svilupparne eccessivamente il percorso, qui finalmente si arriva all’acme dell’opera ed al suo obiettivo primario, ossia l’osservazione dell’ex Cavaliere del Lavoro dal punto di vista umano: un abilissimo e prezzolato venditore piegato ma non ancora spezzato da un’anagrafe che ormai chiede il conto e da rapporti personali via via sempre più tribolati ed in bilico.

Rispetto al primo capitolo si ha quindi un ribaltamento di focus narrativo: se prima si avevano dei “loro” in funzione di un “lui”, qua l’occhio di bue del palco è sicuramente sul “lui” circondato da “loro”.
Nel cast di contorno emergono figure più socio-storicamente delineate, anche se ridotte a piccole comparsate parlate: da Ennio Doris, a Mike Bongiorno, a Fedele Confalonieri, esse contribuiscono ad esplicare il rapporto tra Berlusconi e gli altri, dando vita a figure di consiglieri più o meno disinteressati, più o meno amici, più o meno succubi.

Sicuramente preponderante nell’opera il tema del patetismo, derivante anch’esso da un confronto generazionale impari, in cui il Vecchio è ossessionato dall’inseguimento di una Gioventù totale in ogni suo aspetto: quella estetica, con i lifting ed il trapianto di capelli, quella di immagine in senso lato con il tempo passato in mezzo ai giovani ed alle giovani (non disdegnando di portarsi a letto quest’ultime, con il seduttore come ruolo di autoaffermazione di maschile vigoria) e quella comportamentale, con le celebri gaffes imbarazzanti ai meeting ufficiali dovute a scarsa maturità.

Silvio Berlusconi come Peter Pan che non vuole crescere, che prova un latente, ma nemmeno così tanto, senso di inferiorità, come un bambino che voglia avere sempre il giocattolo più bello e più nuovo rispetto ai compagnucci, un attore che accetti solo ruoli di assoluto protagonista, un Dorian Gray sempre al centro della società il cui ritratto però non sottrae la vecchiaia fisica al soggetto che vi sia raffigurato.

Il patetismo viene evidenziato anche dallo stuolo di leccaculo e Yes Men che circondano l’uomo di potere e ricchezza: vermi falsi, arrivisti, viscidi e l’immancabile zoccolame vario.

Premesso che una pellicola su Berlusconi senza una quantità smodatamente vergognosa di fica sia un po’ come una puntata de La corrida senza nessun suonatore di ascelle (sì, insomma, si sentirebbe la mancanza di qualcosa), in Loro 2 ci si immerge nel dorato mondo della villa in Sardegna e del suo stuolo di fanciulle tanto spregiudicate quanto discinte.

Provocanti all’eccesso e talmente sessualmente estremizzate da sfociare in un grottesco sarcasticamente nero e volontario (esplicativa in tal senso la sequenza di Meno male che Sivlio c’è, che pare un incrocio tra Colpo Grosso ed uno stacchetto soft porno da videoclip disco inizio anni 2000, una Destination Calabria dal vago retrogusto istituzionalizzato), le donne di questi due film posseggono il fascino della pantera ma non la di lei forza, incapaci di autosostentarsi senza svendere il proprio corpo e la propria anima; belle, profumate e brave ad arrampicarsi come i glicini, figure che sotto un’apparenza di pornografia esibita con protervia sottendono uno sporco squallore.

Interessantissimo in tal senso il rapporto con la consorte Veronica Lario (un’ancora ottima Elena Sofia Ricci) e le di lei prese di posizione nei confronti di un marito che ha ormai completato la trasformazione in ficantropo e passa sempre maggior tempo ad ululare verso un luminoso satellite lunare di passera.

I dialoghi tra i due, oltre a riprendere la lettera aperta pubblicata nel 2007 su la Repubblica della Lario nei confronti dell’ex consorte, evidenziano chiaramente le due anime del Paese pro e contro Berlusconi: se per bocca della Ricci emerge un’aspra critica politica ed umana alla rivoluzione A-culturale dell’imprenditore di Arcore, correlata da una elencazione dei suoi peccati terreni in campo personale o professionale (già enunciata in una scena precedente per mezzo di uno dei senatori che il compagno B. cerca di comprare per far cadere l’allora governo Prodi), si ha anche di rimando una puerile ma vibrante difesa del suddetto, in un “tutti sono disonesti, ma io sono il migliore” che va ad inserirsi nei già citati binari del patetismo come un “maestra, anche i miei compagni chiacchierano”.

Il Sergio Morra di Scamarcio è finalmente riuscito ad entrare nelle grazie berlusconiane, ad entrare in contatto con quel lontano “lui” che anelava, e ciò lo farà confrontare con quel regno d’avorio, carne e vulva così diverso e unitamente così viscerale.
Patetico tra i patetici, deluso tra i delusi, Morra è un Icaro che desidera volare il più vicino possibile ad un sole di potere, di soldi, di status e di passera, desiderandone sempre di più.

Toni Servillo straordinario come suo solito, protagonista di alcune scene non solo recitativamente ottime, ma che contribuiscono enormemente ed emblematicamente al tracciamento della personalità di Berlusconi per quello straordinario piazzista di aspirapolveri alle prese con la casalinga ignorante del popolo italiano.

Sguardo cupo da boss mafioso stanco dall’età e dall’eccessivo altalenarsi di vacche magre e grasse, quando viene a trovarsi nel suo habitat naturale sfoggia il più inquietante dei sorrisi da Stregatto, tentando di concupire le varie Alici che si trovano tra le sue grinfie in quella Wonderland illogica che è la vita del puttaniere.

Sicuramente un esperimento cinematografico interessante, che avrebbe meritato maggiore pubblicità nei cinema ed un approccio meno didascalico da parte di un pubblico che rischia di rimanere folgorato come Paolo sulla via di Damasco dal suo essere “pro” o “contro” il soggetto protagonista.

Consigliato senza dubbi.

Recensione di Loro 1 qui.

L’isola dei cani

Vorrei vivere in un film di Wes Anderson
Inquadrature simmetriche e poi partono i Kinks
Vorrei l’amore dei film di Wes Anderson
Tutto tenerezza e finali agrodolci.

TRAMA: Giappone. un ragazzo è alla ricerca del suo cane smarrito, finito su un’isola piena di rifiuti e abitata da alcuni cani randagi.

RECENSIONE: Nono lungometraggio di Wes Anderson, con cui ha vinto l’Orso d’argento per il miglior regista all’ultimo Festival internazionale del cinema di Berlino, L’isola dei cani è un carinissimo gioiello in stop-motion (sua seconda opera girata mediante questa tecnica, dopo Fantastic Mr. Fox), in cui il regista texano può inserire tutti i suoi tipici crismi creando un’opera come suo solito simpatica, raffinata ed elegante.

Dietro ad un ben orchestrato impianto favolistico si cela infatti una storia ricca di sentimenti, che andando a toccare temi portanti dei rapporti personali (l’amicizia, l’altruismo, il lottare per i propri ideali) imbastisce una costruzione narrativa piacevolmente più profonda di quanto l’infantile apparenza possa erroneamente suggerire.

Ciò è importante per offrire allo spettatore una pellicola “per famiglie” nel senso più stretto della definizione, senza però dimenticarsi la classica particolarità para-hipster andersoniana, che ormai ha inquadrato il suo cinema come genere artistico a sé stante.

La regia è infatti quella che i cinefili hanno ben imparato a conoscere.

Una simmetricità che sarà sicuramente sollievo per i malati di OCD, in cui ogni fotogramma è costruito secondo regole geometriche tanto rigide quanto efficaci nella resa artistica degli stessi, gli zoom su oggetti di uso comune o sulla loro preparazione, le inquadrature dall’alto o con campi larghi o l’indugiare su procedure apparentemente superflue ai fini della specifica trama sono elementi che anche ne L’isola dei cani risultano facilmente individuabili, fornendo tanto un senso di piacevole abitudinarietà per i fan quanto i soliti gradevoli espedienti per i neofiti.

Si ha perciò anche qui l’impressione, probabilmente ancor più che in altri casi vista la tecnica con cui è stata realizzata la pellicola, di entrare in un particolare microcosmo che si sviluppi nelle atmosfere ovattate di una casa delle bambole, un mondo alle cui vicende noi spettatori assistiamo con leggerezza ed interesse.

Come in molte opere di Anderson (sì, lo so, il concetto viene ripetuto parecchio in questa recensione) anche ne L’isola dei cani abbiamo ragazzini che si comportano da adulti, spinti dalle proprie emozioni ed alla ricerca di ciò che è giusto; gli adulti, talvolta più deboli di loro, li trattano da pari, e ciò comporta una riduzione delle distanze psicologiche e ruolistiche dei soggetti: non si è “adulti” o meno in base ad una maturità anagrafica, ma ad uno sviluppo emotivo ed intellettuale.

Evidente anche il tema della fuga, qui per sfuggire all’ottusità di un ingiusto ordine costituito, mezzo attaverso cui perseguire il proprio obiettivo emotivo: ritrovare il proprio cane, o in senso lato un proprio amico, da cui si è stati obbligati a separarsi per l’incapacità dell’autorità di attuare provvedimenti maturi ed efficaci per la risoluzione di un gravoso problema.

Cast vocale di primissimo piano, in cui trovano spazio molti degli aficionados di Anderson, da Jeff Goldblum a Edward Norton, da Bill Murray a Tilda Swinton; simpatica la scelta di non doppiare i personaggi umani giapponesi, bensì di servirsi (come esplicitato dopo i titoli di testa) di “traduttori” particolari in occasione di dichiarazioni televisive o altro.

Tale fattore aumenta il senso di incomunicabilità tra le persone, unita alla distanza culturale tra popolazioni totalmente diverse come asiatici ed occidentali, che porta spesso ad avere come conseguenza situazioni spiacevoli che sarebbero state facilmente risolvibili o evitabili attraverso il dialogo.

Scelto per la versione italiana il cast vocale corrispettivo dei diversi attori, che deo gratia almeno non sono stati sostituiti da “talent” di dubbio senso.

Quindi ad esempio Stefano de Sando in luogo di Bryan Cranston (da lui già doppiato nella serie televisiva Breaking Bad) e Sandro Acerbo torna a prestare la voce ad un personaggio di Jeff Goldblum dopo lo Ian Malcolm de Il mondo perduto (“Mammina è molto arrabbiata”); Scarlett Johansson, Edward Norton e Liev Schreiber doppiati come consuetudine dai bravi Domitilla D’Amico, Massimo De Ambrosis e Pino Insegno.

Un film simpatico, agrodolce e di ottima qualità, come il buon Wes sa offrire al pubblico.

Loro 1

Il cinema l’Arte che amo.
Qui ho le mie radici, le mie speranze, i miei orizzonti.
Qui ho imparato, dalla mia passione e dalla vita, il mio hobby di rompere le palle sui film.

TRAMA: Silvio Berlusconi, imprenditore e miliardario italiano votatosi alla politica negli anni Novanta, fino a diventare Presidente del Consiglio della Repubblica, è una figura emblematica che ha segnato irreversibilmente la storia del Paese.

RECENSIONE: Diretto da Paolo Sorrentino e seguito da una seconda parte al cinema dal dieci maggio, Loro 1 è un film principalmente di introduzione, in cui il regista napoletano si limita (se di limite si possa parlare) al disporre sullo scacchiere i vari pezzi senza, per ora, dare indicazione precisa di quale sarà la loro conclusione narrativa.

Al centro della galassia narrativa, pur, come vedremo, non essendone fisicamente presente per buona parte, un Silvio Berlusconi novello Re Sole, alla cui corte cerca di introdursi il più classico degli eserciti di nani e ballerine bene o male in arnese, disperatamente in cerca un posto al sole di luce riflessa che possa elevarli dalla loro mediocre condizione sociale o economica verso un futuro radioso grazie a LUI.

Proprio il pronome personale assume un forte valore connotativo all’interno della pellicola: a Berlusconi ci si riferisce spesso con questo termine, al tempo stesso vago ed estremamente identificativo del soggetto a cui è legato.

La comparsa di Servillo allo scoccare dell’ora di film non è quindi un difetto, poiché la sua è un’assenza paradossalmente mai così tanto “presente”, sulle bocche e nelle azioni del variegato sottobosco sociale e politico mostrato dall’opera.

Sorrentino non indugia in un’esposizione cronachistica fine a se stessa, prediligendo al contrario un’approccio più narrativo e quasi torbidamente favolistico, nell’alternanza di scene di rara crudezza a sequenze visivamente ai limiti dell’onirico.

Agli innumerevoli festini a base di coca e mignotte, le cui mammelle nude abbandonano ogni possibile connotazione materna per deviare unicamente in frutti esposti generosamente dall’albero della lussuria e che vergano pennellate da Lupo di Wall Street alla vaccinara, si alternano tanto brevissimi spaccati sulle vite personali dei characters quanto immagini assurdamente azzeccate nella loro alienità (la pecora, il rinoceronte, il camion della nettezza urbana…) in un crogiolo di materialismo ed astrattezza metaforica.

Sorprendentemente positivo Riccardo Scamarcio nella parte di un alter ego di Gianpaolo Tarantini, il cui nome, come quello di altri figuri, viene cambiato in un più discreto Sergio Morra.

Animalesco come una scopata selvaggia e clandestina ma sporco come la masturbazione internettiana, il suo Morra è tanto un ragno tessitore di intrallazzi quanto, tirando le somme, un povero diavolo desideroso di separarsi da una per lui troppo stretta vita di provincia, non rendendosi però conto del generico squallore contemporaneo; figura quasi farsesca, lo spettatore assiste passo dopo passo al suo tentativo di scalata, che spero avrà degna conclusione nel seguito.

Toni Servillo ottimo come ex cavaliere del lavoro, incarnandone tutte le caratteristiche comiche o tetre a cui abbiamo assistito negli anni; azzeccato in particolare il dialogo con il nipotino, in cui la più cruda essenza berlusconiana emerge in tutta la sua nitidezza.

Brava anche Elena Sofia Ricci nelle vesti di un’algida Veronica Lario, uno dei pochi personaggi del film precisamente identificati.
Il suo frustrato desiderio di arte e di cultura fanno da perfetto contraltare alla sessuale ed economica bramosia lupesca di Berlusconi, con il vicino yacht di troie nude che è nuovo canto delle sirene per un invecchiato Ulisse lombardo.

Piccoli ruoli per una Kasia Smutniak mai così torbida e giaguara nel suo essere puttana (quasi) irraggiungibile e per una quasi irriconoscibile Euridice Axen nei panni della compagna di Morra.

Particolarmente divertente e tragicomico l’ex ministro Santino Recchia di Fabrizio Bentivoglio, personaggio che racchiude in sé diverse anime del centrodestra berlusconiano: l’eccentricità nel vestire unita ai pietosi video da g-g-giovane di Roberto Formigoni o la propensione alla poesia di Sandro Bondi lo rendono Legione di bozze che efficacemente non si fossilizza su un nome, ma su un insieme di idee.

Pellicola interlocutoria, in attesa del proseguimento.

Rampage – Furia animale

Il grosso e le bestie.

TRAMA: Davis Okoye, esperto di primati, ha stretto un fortissimo legame con George, un gorilla albino dotato di una viva intelligenza. A causa di un esperimento genetico, George si trasforma in un gigantesco e pericolosissimo mostro, impossibile da contenere e controllare.

TRAMA, QUELLA VERA:

Pronti via e compare subito il principale antagonista: UNA SCHERMATA ESPLICATIVA DI TESTO BIANCO SU SFONDO NERO, AAAAHHH SI SALVI CHI PUÒ!!!

Riprese di una stazione spaziale a gravità zero: PTSD su Life – Non oltrepassare il limite intensifies.

Persona che comprende la gravità della situazione muore dopo qualche minuto di film.
Sei proprio tu, Deep Impact?

Scena con le scimmie, ed è subito 2001: Odissea nello spazio, però più culturale.

Comunicazione tramite il linguaggio dei segni tra un gorilla albino ed un ex wrestler samoano.

Dialoghi che vertono su una frizzante allusione tra la sottomissione animale ed il sesso che… quando si leva dalle palle questo branco di comprimari inutili?

Oggetto che piove dallo spazio. È sperare troppo che sia uno tra Venom, Superman, il Gigante di ferro o i gusci di Cocoon?

Mi accontento anche dell’Edgar-abito.

Persone in giacca e cravatta: siamo i cattivi dai tempi di Matrix.
Battute a parte, credo che gli unici antagonisti più banali, ovvi e stereotipati di loro possano essere…

… i militari! Eccovi qua, la festa è al completo.

Malin Ackerman: chissà se ci scappa il topless.

Joe Manganiello: chissà se ci scappa il topless.

La mega azienda cattivissima si chiama “Energyne”, come un integratore vitaminico del discount: in una porcheria del genere potevano anche chiamarla direttamente “Team Rocket” e sarebbe stato uguale.

«Devo trovare qualcuno che sappia esattamente cos’è questo» facile, un film di merda.

Naomie Harris?? Ma non sei mica stata candidata ad un Oscar??

«Sono una genetista presso la Energyne» no, grazie, preferisco l’Energade.

Sul serio, ragazzi, ma che nome bastardo è? Chiamatela, che so, Hydra, Umbrella…

L’unico pregio di questa brodaglia sarebbe che non optino per la pellegrinata dello scegliere i fattori positivi di animali completamente diversi per unirli tra loro creando dei super-geni di crescita, se non fosse che è esattamente quello che fanno.

Questo fil.. oddio, questa “roba” è tratta da un videogioco in cui con degli animali giganti distruggevi palazzi e ammazzavi persone, sarebbe come realizzare una trasposizione cinematografica di Battaglia navale.

Appunto…

Alla company scientifica e al gruppo paramilitare si aggiunge un uomo in giacca e cravatta che è pure del governo americano.
Dai, metteteci pure una capo cheerleader bionda, così completiamo la collezione dei personaggi bidimensionali.

Aeroplano che precipita tipo La mummia, esercito ottuso stile [inserire film action a caso con militari], tizio che stende facilmente qualche recluta disgraziata come in The Edge of TomorrowDwayne Johnson sull’elicottero alla San Andreas, senza purtroppo prorompenti seni daddariosi.

La CGI di Rampage vi è stata presentata da After Effects.

Come una proustiana madeleine, l’apparizione di un Feraligatr selvatico mi riporta la mente a quando, ingenuo pargolo, mi sciroppavo Pokémon Argento sul Game Boy.

Ovviamente la reazione de La Roccia è «Beh, brutta storia». Pensa a chi ha pagato, Dwayne…

«[…] i server della Energyne…», dai, per cortesia, cambiatele nome. Va bene anche “Los Pollos Hermanos”.

Mumbo-jumbo tecnologico ed è subito «Mi sono uploadato nel mainframe della nave».

«Cerchiamo qualsiasi cosa che inizi con RPG».
“Role-playing game”?
“Ruchnoy Protivotankovyj Granatomjot”?

Ai comandi di un elicottero senza coda, il nostro prode sfrutta il crollo di un edificio per cavalcarlo e attutire l’impatto con il suolo.

«Roba da matti», il mio giudizio sul film in tre parole.

Non sono stati gli aerei, è stata la bestia ad uccidere l’altra bestia.

Questo era, in breve, Rampage – Furia animale.

Una roba da chiodi.

It Follows

Every breath you take
Every move you make
Every bond you break
Every step you take

TRAMA: Con suo enorme sconcerto, una giovane scopre che il suo ragazzo le ha trasmesso una pericolosa maledizione che si trasmette da un corpo ad un altro attraverso i rapporti sessuali.
Da quel momento, la ragazza inizia ad avere strane visioni…

RECENSIONE: 

Buon horror che riesce a non scadere troppo nei cliché realizzativi del genere (jump scares su tutti, qui centellinati ed inseriti solo in contesti in cui effettivamente funzionano), It Follows è una pellicola horror del 2014 di piacevole intrattenimento e con più di una freccia al proprio arco.

Grazie all’azzeccata regia di David Robert Mitchell, la cui camera abbonda sia di movimenti ampi e lenti che contribuiscono enormemente all’allargamento del campo scenico sia, viceversa, di inquadrature alle spalle dei soggetti in modo da comprimere il nostro occhio ostacolandolo, il film offre uno spettacolo godibile visivamente mettendosi però anche al servizio di una trama piuttosto semplice ma accattivante.

I tempi narrativi, soprattutto nella fase iniziale, sono piuttosto lenti, affrancandosi così da fastidiose facilonerie come il mostrare rapidamente “l’origine del killer”, ma contenendo anche un inizio azzeccato contribuiscono enormemente alla creazione di un’atmosfera narrativa immersiva.
Come un automobilista esperto in una tortuosa strada montana, infatti, il film ingrana e scala marce lungo tutti i suoi centoquaranta minuti di durata, optando di volta in volta per una tipologia di ritmo invece di un’altra con maestria sicura e senza subire patemi di sorta.

Alla lentezza del ritmo si unisce inoltre l’incedere costante e compassato dell’antagonista, altro elemento di enorme spaccatura rispetto agli stilemi tipici del settore cinematografico di riferimento, caratterizzati spesso da assassini rapidi, frenetici e fulminei.

La lentezza, paradossalmente, risulta ancora più inquietante della velocità, perché offre la medesima idea di futura ineluttabilità tipica della morte stessa: mentre i ragazzi protagonisti sono spesso di corsa o in veloci spostamenti mediante l’automobile, il villain si prende con calma i suoi tempi sapendo che prima o poi li raggingerà, con una distinzione manichea narrativamente molto interessante.

Molto stimolante intellettualmente anche il legame tra il mostro ed il sesso, con l’entità paranormale omicida che va a sovrapporsi metaforicamente all’AIDS o alle malattie veneree in genere.

Che una cosa, un essere, un “it”, che ponga un marchio sulla tua persona e possa venire a cercarti indefessamente per eliminarti sia derivante da un rapporto sessuale, ossia qualcosa di intrinsecamente piacevole per la nostra natura biologica, va a toccare il connubio amore-morte conferendo al film elementi di natura psicologica fondamentali per distinguerlo dalla grande massa di opere co-genere troppo spesso adagiate su fattori banali e stravisti.  

Discreto il giovane cast, in particolare una preoccupata Maika Monroe, archetipo fisico dell’adolescente statunitense bionda, molto simile all’Hilary Duff di Lizzie McGuire.  

Buon successo sia di critica che di pubblico: costato due milioni di dollari ne ha incassati globalmente circa ventidue.

 

P.S. Un blog ha calcolato la distanza percorsa dalla “cosa” durante il film.

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