L'amichevole cinefilo di quartiere

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Revenant – Redivivo

revenant locandina

“The clearest way into the Universe is through a forest wilderness.”

John Muir (1838 – 1914), naturalista e scrittore scozzese.

TRAMA: America Settentrionale, inizio del XIX secolo. Hugh Glass fa parte di una spedizione alla ricerca di pelli e pellicce da commercio. Il gruppo subisce diverse peripezie, che porteranno i suoi compagni a una dura scelta…
Basato sul romanzo omonimo del 2003 di Michael Punke e parzialmente ispirato alla vita del cacciatore Hugh Glass.

RECENSIONE: Per la regia e sceneggiatura di Alejandro González Iñárritu, Revenant è un film molto più “sensoriale” che narrativo, in cui la trama ha sì importanza ma cede talvolta il passo alla evocatività delle immagini e alle emozioni che esse veicolino.

Revenant è infatti un western crepuscolare connotato da un notevole impatto sensoriale, e attraverso cui si sottolinei come l’essere umano, attraverso appunto i cinque sensi, sia in grado di ricevere informazioni dall’ambiente circostante e di adeguarsi ad esso.

È ironico evidenziare questo fattore: la società occidentale moderna è basata in maniera preponderante sulle immagini (televisione, pubblicità, internet, social network) quindi sulla vista, e inoltre stiamo parlando di un film, opera artistica per sua natura basata sull’elemento visivo. In questa pellicola si assiste però ad una notevole esaltazione dell’elemento naturale e sensoriale nella sua globalità, che porta ad una efficace immersione dello spettatore nell’ambientazione dell’opera stessa.

Attraverso le riprese, la fotografia e le musiche (di Ryūichi Sakamoto), il Nord Dakota della prima metà ‘800 emerge come isola dal mare, trasportando efficacemente l’attenzione e la mente del pubblico in un altro mondo e in un altro tempo.

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Chi ha pagato il biglietto e si trova seduto in una sala buia sgranocchiando popcorn non può odorare il profumo pungente della resina, quello avvolgente dell’erba, il sentore metallico del sangue o quello acre degli animali, ma il film lo porta a sapere che tali fragranze sono presenti nell’aria.

sentirle.

Così come egli può quasi toccare la morbidezza dei cespugli, l’aguzza corteccia degli alberi e la fredda liscezza delle rocce, anche se le uniche cose che fisicamente si trovino a contatto con lui siano la soffice stoffa del posto numerato e la plastica dei braccioli.

A ciò contribuisce ovviamente anche la regia, che riesce ad utilizzare sapientemente la profondità di campo per creare riprese cariche di elementi e significati; per fare ciò si sfrutta appieno la vastità dell’ambiente da un lato e la bravura degli attori dall’altro, accompagnando così l’occhio dell’osservatore quasi come se fosse la rappresentazione dei movimenti della sua testa utilizzando spesso spostamenti regolari e armoniosi.

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Revenant è un’opera che utilizza quindi l’ambiente naturale in cui la vicenda è narrata come gancio per l’immersività dello spettatore in essa, riuscendo a ridurre sensibilmente le distanze tra gli occhi e lo schermo.

Tra lo spettatore ed il film.

I paesaggi, ampi e sconfinati, sono spesso fonte di pericolo per i protagonisti, e rappresentano la potenza e la magnificenza di Madre Natura, che l’uomo non può combattere in quanto egli stesso costituisca parte della sua prole.

Essi inoltre forniscono ampio materiale metaforico, attraverso flash visivi o piccole scene di influenza quasi malickiana, che prese singolarmente possono avere un significato relativo, ma che assumono maggior colorazione e ragione d’esistere considerandole nel loro complesso.

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La fotografia di Emmanuel Lubezki è veramente meravigliosa, forse l’elemento migliore della pellicola, dato che fornisce ampissimo respiro al fattore ambientale contribuendo in maniera preponderante alla già citata immersione mentale.

Ci si trova davanti una ricchissima tavolozza di colori, i quali però non sono eccessivamente brillanti, vividi e finti, ma mantengono l’originalità tipicamente naturale. Essi non danno perciò la sensazione di un quadro artefatto e plastico, ma di realtà e verità, aumentando di conseguenza la qualità del film.

DiCaprio offre un’ottima prova nei panni di un trapper angariato da eventi infelici ma preparato alle sfide.
Uomo ferito nel corpo e nell’anima, il suo Glass simboleggia la sofferenza, conseguenza dell’umano nel regno bestiale che diviene vittima anche dei suoi simili, per un perverso homo homini lupus dove per l’uomo la fiera e il suo pari sono altrettanto pericolosi.
Ogni smorfia, ogni grido ed ogni ferita sono una frustata del destino alle sue carni, e l’attore riesce a trasporre ottimamente emozioni e immani dolori agli occhi del pubblico.

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Tom Hardy risulta efficace in un ruolo da brutto, sporco e cattivo come piacciono a lui, e conferma di essere un ottimo attore nella recitazione attraverso gli occhi (do you remember Bane?)
Assassini, feroci, invasati e febbrili, i suoi bulbi oculari sembrano dotati di anima propria, diventando tramite di emozioni e correlandosi perfettamente con scene e battute.

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Domhnall Gleeson (recentemente Hux in Star Wars – Il risveglio della Forza) bravo in un ruolo secondario, anche se la voce molto virile del valente Pino Insegno su di lui fa forse un effetto un po’ strano.

Complessivamente Revenant è un ottimo film, che pur non presentando i ritmi elevati e frenetici a cui magari il cinema odierno ha abituato il grande pubblico, riesce ad offrire una storia intensa corredata da una cornice sensoriale di notevole impatto.

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Pillole di cinema – Heart of the Sea – Le origini di Moby Dick

heart of the sea locandinaChiamatemi Serenate.

TRAMA:  Adattamento cinematografico del romanzo Nel cuore dell’oceano – La vera storia della baleniera Essex (In the Heart of the Sea: The tragedy of the whaleship Essex), scritto da Nathaniel Philbrick nel 2000 sulla storia della baleniera Essex, evento che ha ispirato Herman Melville per la stesura del suo celebre Moby Dick.

PREGI:

– Senso di avventura: In una storia che vede la presenza di una nave baleniera, comandanti in conflitto e un aggressivo cetaceo, è molto importante tenere un ritmo sostenuto, che anche nelle fasi di stallo narrativo non deteriori nella pesantezza o nella noia.
Heart of the Sea riesce bene nell’intento, grazie ad un plot interessante che permette allo spettatore di appassionarsi alla vicenda e a godere dei suoi successivi sviluppi, catturando la sua attenzione.

Inoltre, cornice marina a parte, si ha comunque davanti una storia di uomini in difficoltà, e ciò aumenta l’immedesimazione e l’empatia provata dal pubblico.

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– “In the Navy / yes, you can sail the seven seas…”: Pregio legato in parte al punto precedente, nella pellicola è stata ben resa anche l’atmosfera prettamente marinaresca, grazie ad una ricostruzione storica e tecnica solida, una buona recitazione da parte degli attori (sì, anche Thor) e un uso della CGI sapiente per quanto concerne il capodoglio e le creature marine presenti.
Ciò contribuisce a diminuire l’effetto “baracconata al computer” e dare una maggiore idea di realismo.

Vero, Jurassic World?

Heart of sea cast

– Fotografia: Curata dal Premio Oscar 2009 Anthony Dod Mantle, tale elemento assume connotazioni quasi pittoriche.
Virando spesso su tinte sature dai toni gialli e blu, il colore e la luce paiono stesi sulla pellicola a vere e proprie pennellate, e questa scelta tecnica risulta particolarmente efficace per un’opera ambientata nella prima metà del 1800.

heart of the sea fotografia

– Cast: Il mantra “Facce giuste nei ruoli giusti” sembra banale, ma non lo è.

Vero, Megan Fox/April O’Neil?

Il “Thunder from Down Under” Chris Hemsworth, al secondo film di Ron Howard dopo l’ottimo Rush, è una buona scelta come primo ufficiale coraggioso e fattosi da sé, mentre Benjamin Walker (ex Abraham Lincoln ammazza-mostri) con la sua faccia pulita è spocchioso ed ottuso il giusto.

In ruoli minori Brendan Gleeson, Tom Holland (futuro Spider-Man prepuberale) e Cillian Murphy; Ben Whishaw (recente Q in Spectre) interpreta lo scrittore Herman Melville.

Parti in generale piuttosto classiche ma nel complesso funzionali allo sviluppo narrativo, e tanto basta.

Heart of sea melville

DIFETTI:

– Green screen mon amour: Purtroppo, nonostante la buona qualità complessiva del film, nei piani di camera più ravvicinati si nota una certa artificiosità dello sfondo, dovuta all’uso del chroma key.

Niente di così finto da notarsi ad un chilometro di distanza (vero, La battaglia delle cinque armate?) e alla fine della fiera non un elemento di particolare disturbo, ma essendo una pecca è giusto menzionarla.

Consigliato o no? Se avete apprezzato il romanzo di Melville sicuramente sì. Nel caso non ne abbiate letto neanche una pagina, comunque un’opera complessivamente più che buona e decisamente meritevole.

Pillole di cinema – Ex Machina

ex machina locandina[…] allora il Signore Dio plasmò l’uomo con polvere del suolo e soffiò nelle sue narici un alito di vita e l’uomo divenne un essere vivente.”
Genesi 2, 7.

TRAMA: Un programmatore di computer si aggiudica la possibilità di trascorrere una settimana nella casa in montagna appartenente all’amministratore delegato della società per cui lavora; scoprirà di dover partecipare ad un esperimento che coinvolge una nuova modalità di intelligenza artificiale.

PREGI:

Dicotomie: Per la regia dell’esordiente Alex Garland, Ex Machina è un’opera interamente basata sui contrasti netti e manichei tra varie coppie di elementi antitetici.
Naturale/artificiale, creatore/creazione, uomo/macchina, dentro/fuori, controllo esercitato e subito sono i numerosi temi fondamentali della pellicola, la quale ne guadagna molto in profondità narrativa e spessore argomentativo.

Tutti questi contrasti sono costantemente presenti nel film, come tante coppie di calamite che si attraggono e respingono reciprocamente, costituendo allo stesso tempo colonne portanti della narrazione.

ex machina uomo robot

Fotografia: Legata in parte al punto precedente, la fotografia di Ex Machina riesce ad aumentare le differenze enormi tra l’interno e l’esterno della casa (asettico, geometrico e rigoroso il primo quanto ricco di vita, colori e potenza naturale il secondo) ponendo ancor più l’accento sulla distinzione tra l’ambiente cinto dalle quattro mura e lo sconfinato mondo al di fuori di esse.

Gli ocra e i rossi delle sezioni più tecnologiche della magione si fondono con l’ampio uso di verdi e azzurri della foresta esterna (il film è stato girato in Norvegia), dando così vita ai verdi-grigi delle zone intermedie atte alla conversazione e alla consumazione dei pasti da parte dei due umani.

ex machina casa

ex machina esterno

Oscar Isaac: Le già citate distinzioni manichee si riscontrano anche nella caratterizzazione dei due protagonisti.

Se la recitazione di Domhnall Gleeson (già visto nella chicca Frank) si mantiene spesso sotto le righe, Oscar Isaac al contrario gigioneggia incontrastato.

Alcolizzato e sarcastico padre-padrone-creatore senza freni nella sua onnipotenza economico-scientifica, il Nathan di Isaac è un personaggio estremamente complesso, che tiene in mano le redini del film giocando con se stesso e con lo spettatore in un tripudio di stoccate, esagerazioni e approcci pratici all’esistenza.

Un po’ visionario alla Steve Jobs, un po’ cinico magnate alla Donald Trump, un po’ megalomane come gli antagonisti di James Bond, considerato l’ottimo acting in questo film non vedo l’ora di vederlo come Apocalisse nel seguito di X-Men – Giorni di un futuro passato.

ex machina isaac

DIFETTI:

Collage di altre opere: Col senno di poi si ha la sensazione che Ex Machina più che un film organico con un suo stile proprio sia un insieme di elementi prese da altre pellicole e fusi insieme.

I celebri rimandi, che preferirei non menzionare nello specifico per non fare anticipazioni sulla trama, per quanto ben strutturati potrebbero dare quindi l’impressione di già visto ad uno spettatore scafato in materia sci-fi.

ex machina eva calbe

Consigliato o no? Decisamente sì. Un buon film di fantascienza con un notevole spessore narrativo, una trama intelligente e temi eticamente interessanti, contornati da un efficace comparto visivo.

Frank

frank locandina“Got no human grace / Eyes without a face”

TRAMA: Un aspirante musicista si unisce agli Soronprfbs, strampalata band d’avanguardia dal nome impronunciabile il cui leader, Frank, è un artista di enorme talento che indossa sempre una grossa maschera di cartapesta.

RECENSIONE: Per la regia di Lenny Abrahamson, Frank è l’equivalente cinematografico di una boccata d’aria fresca dopo aver passato il pomeriggio a lavorare presso la piazzola ecologica.

Spiego meglio questa raffinata similitudine.

In un cinema odierno basato su vagonate di sequel utili come l’aria condizionata in Antartide (I mercenari 14 – La vendetta del nervo sciatico), inguardabili porcate atte a rincoglionire le persone (Pensioner-man, Immigrant-man e Housewife-woman contro Coda-alle-post-inator) e romanzi di dubbio gusto trasformati in pellicole di gusto ancor più dubbio (Cinquanta sfumature di me che ti frusto con un segnalibro autografato da Coelho mentre facciamo sesso imbavagliati ascoltando l’orchestra di Demo Morselli), quest’opera è una piccola chicca.

Non da considerarsi magari una pellicola mirabolante, ma un film comunque diverso, che riesce a discostarsi dai canoni narrativi tradizionali risultando brillante ed originale.

Film che tra l’altro è liberamente ispirato al personaggio di Frank Sidebottom, sorta di musicista comico britannico che ebbe successo nella terra d’Albione intorno alla fine degli anni ’80.

frank reale e sidebottom

Tema principale di Frank è la formazione di un giovane adulto, che cerca di trovare la propria dimensione in un gruppo di veri e propri svalvolati capeggiati da un soggetto che definire “particolare” sarebbe usare un eufemismo.
Raggiungere la quadratura del cerchio in un ambiente in cui la geometria euclidea non è propriamente di casa è un’idea di partenza intelligente, perché ribalta gli stereotipi che solitamente caratterizzano questo genere di opere, mostrando di conseguenza innovazione.

frank band

Il personaggio principale è un musicista camuffato come d’altronde ce ne sono altri in circolazione, anche di ben più mainstream rispetto al circuito indipendente: alcuni truccati (Kiss), altri mascherati (Slipknot o Daft Punk), addirittura altri ancora con un alter ego cartoon (Gorillaz).
La sua caratterizzazione crea una contrapposizione molto interessante tra, da un lato, il cantante inteso come frontman e animale da palco (quindi di per sé accentratore di attenzione) e dall’altro la maschera come scudo simbolico e muro tra gli altri e la propria persona.

Attraverso questo gigantesco testone di cartapesta Michael Fassbender riesce comunque a far trasparire emozioni, ricordando per certi versi Hugo Weaving in V per Vendetta (2005). Il suo personaggio, sovente ben al di là dei limiti considerati “normali” dalla società, riesce a trasmettere un’intensità di rara tenerezza, che allo spettatore come il calore della fragile fiamma di una candela.

Michael Fassbender as Frank

Domhnall Gleeson ha quella faccia un po’ così, quell’espressione un po’ così che abbiamo noi prima di entrare in una band: così determinato a iniziare una nuova avventura ma allo stesso tempo così pieno di insicurezze sul cammino da seguire e su quale sia il suo posto nel mondo.
Lodevole il rapporto tra lui e Frank, ostacolato in parte dall’evidente difficoltà nel comunicare con qualcuno di cui non si possano vedere le espressioni facciali e che attraversa diverse fasi lungo l’agile oretta e mezza di durata della pellicola.

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Completa il trio di protagonisti una Maggie Gyllenhaal sboccata e cazzuta, con piccolissime punte di tenerezza che la rendono un personaggio piacevolmente fuori dagli schemi.

Non sarà il capolavoro di cui alcuni forse troppo frettolosamente hanno parlato, ma senza dubbio un’opera che per la sua originalità merita una visione.

Bon, ora vai con i Gorillaz.

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