L'amichevole cinefilo di quartiere

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1917


Per guerra di trincea s’intende un tipo di guerra di posizione nella quale la linea del fronte consiste in una serie di fortificazioni difensive. Conobbe il suo apice nei sanguinosi combattimenti della prima guerra mondiale: solamente durante la battaglia di Verdun (febbraio-dicembre 1916) 700.000 soldati vennero feriti o uccisi, senza che la linea del fronte mutasse in maniera sostanziale.

I soldati molto spesso morivano a causa della poca igiene ed erano soggetti al rischio di impazzire.

TRAMA: Nel 1917, all’apice della prima guerra mondiale, due giovani soldati britannici stanziati nel nord della Francia vengono incaricati di consegnare un dispaccio che avverte di un imminente attacco a sorpresa dell’esercito tedesco ritiratosi oltre la Linea Hindenburg.
Per salvare le vite di oltre 1600 commilitoni, tra cui il fratello di uno di loro, i due cominciano una solitaria corsa contro il tempo attraverso il fronte occidentale, avventurandosi in territorio nemico.

RECENSIONE:

Diretto da Sam Mendes e ispirato dai racconti di guerra di suo nonno, 1917 è un viaggio di speranza e desolazione: due giovani prodotti del proprio Paese, mandati a lottare per esso in terra straniera, diventano loro malgrado i latori di un’informazione che potrebbe salvare o condannare migliaia di altri loro omologhi.

È il singolo quindi a tenere nelle proprie mani le sorti del collettivo: il congiunto (in questo caso il fratello di uno dei protagonisti) diventa un primus inter pares emotivo che è apparente ma non realmente effettivo, in quanto nella grande visione delle cose egli non è altro che una pecora mischiata al gregge di soldati la cui vita è appesa ad un filo.

Non si salva il parente, ma il gruppo di cui egli fa parte.

Ad assumere la parte del leone in questo film è l’elemento strettamente tecnico.

La scelta infatti di un unico piano sequenza lungo circa due ore contribuisce a rendere lo spettatore un terzo compagno d’armi dei due caporali; egli può quasi respirare l’aria pesante del campo di battaglia, provare sulle sue spalle l’affanno dei soldati e sentire il pesante macigno costituito dalla loro opprimente situazione in terra ostile.

Importantissima è quindi l’erosione della distanza tra l’opera e il suo pubblico, poiché è fondamentale lo sviluppo di empatia nei confronti di personaggi che si trovano a compiere una missione perigliosa e complessa.
Venire trasportati in un’epoca ed in un contesto così diversi dal nostro catapulta lo spettatore dal tranquillo tepore imbottito della sala cinematografica ad una landa fredda ed impregnata del gelido alito della morte, suscitando in lui sensazioni profondamente estranee al suo stato attuale.

Ogni anfratto in cui si entri, ogni trincea che si percorra, ogni metro di fango che si debba conquistare strisciando è un passo in più verso l’obiettivo, verso i commilitoni da salvare, e allo stesso tempo un rischio in meno da superare e conquistare.

Ogni figura professionale che abbia svolto la sua parte nelle riprese tecniche di 1917 ha svolto un lavoro egregio: il finto piano sequenza, pur evidente grazie a dei “neri” saltuari, è veramente ben orchestrato, piegando il passare del tempo (in realtà molto più dilatato rispetto ai centoventi minuti circa di durata filmica) ad uso dell’efficacia espositiva della narrazione, e scegliendo angolazioni di ripresa sempre ficcanti ed appropriate.

Non si teme perciò un effetto spaziale straniante dovuto alla magari difficile comprensione dello spazio circostante le figure umane, ma si sceglie sempre quanto vicino o lontano debba sostare l’occhio della camera in relazione alla specifica posizione dei personaggi.
In tal modo lo spettatore può rendersi saltuariamente conto di cosa circondi i soldati, di quanta strada abbiano ancora da percorrere e quale sia l’ostacolo in cui si trovino o debbano scavalcare.

Cast sorretto da due giovani protagonisti, accompagnati in ruoli di contorno da interpreti ben più noti ed esperti.

George MacKay (Bill Turcotte nella miniserie 22.11.63 tratta dall’omonimo romanzo di Stephen King) è il membro della coppia più in balia degli eventi: un giovane uomo che, trovatosi affidatario quasi per caso di una missione estremamente ardua, tenta di portarla a termine sorretto unicamente da una solida determinazione.
Emblema del buon soldato, che esegue gli ordini scegliendo però al contempo la modalità effettivamente giusta nel seguirli, il suo caporale Scofield subisce una mutazione di arco psicologico dopo il primo terzo di pellicola, portandolo in seguito ad essere un personaggio a cui lo spettatore possa meglio relazionarsi.

Dean-Charles Chapman (Tommen Baratheon ne Il trono di spade) è invece quello più coinvolto emotivamente dalla missione, sia perché colui a cui principalmente è stata affidata, ma soprattutto in quanto tra i commilitoni in pericolo di cadere in una trappola dei tedeschi si trova suo fratello maggiore.
Qui il dovere legato alla professione bellica si trova perciò a fondersi con l’amore familiare: esiste solo una direzione di marcia, che dev’essere per forza avanti; non c’è bisogno di discutere o di temporeggiare inutilmente, pena il rischio di subire una devastante perdita.

Mark Strong, Colin Firth, Benedict Cumberbatch e Richard Madden interpretano vari ufficiali che incarnano le diverse anime del potere in tempo di guerra: la determinazione, l’empatia verso i sottoposti, la severità e il rigore della disciplina.

Poche battute per ciascuno di loro, grandi nomi che vengono posti in secondo piano in modo da non distrarre l’attenzione dal percorso principale.

Una pellicola maestosa per una vicenda appassionante.

Jojo Rabbit


Adolf, amico mio. Abbracciami, guascone.

TRAMA: Nella Germania nazista del 1945, Johannes Betzler detto Jojo è un bambino di dieci anni che vive solo con la madre, trascorrendo le proprie giornate in compagnia del suo amico immaginario: una versione infantile e buffonesca di Adolf Hitler, frutto della sua cieca ammirazione per il regime in cui è nato e cresciuto.
Liberamente tratto dal romanzo del 2004 Il cielo in gabbia di Christine Leunens

RECENSIONE:

Detesto La vita è bella.

Non è colpa mia, è che mi disegnano cosi.

Credo sia uno dei filmetti più faciloni degli ultimi trent’anni, una banale alternanza di scenette gioiose (nella prima parte) e deprimenti (nella seconda) proposte in entrambi i casi piattamente.

Un film cucito su misura per un pubblico che presenti un impegno intellettuale ed artistico pari a zero, una pellicola che vede il suo più enorme difetto nello spernacchiare non tanto il regime nazista quanto, paradossalmente, il dolore di tutti coloro che hanno sofferto per le atrocità degli anni ’30 e ’40 del Novecento.

I lager ridotti a campo giochi a premi.

Che scemi gli ebrei a creparci a milioni.

Quando si considera l’opportunità di donare un tono ironico e delicato ad un periodo storico tra i più cupi che l’uomo abbia mai conosciuto, io consiglio sempre il pregevolissimo Train de vie – Un treno per vivere di Radu Mihăileanu.

Le tragicomiche vicende di un villaggio ebraico che acquista un treno per fingersi un convoglio ferroviario nazista (con tanto di cittadini agghindati da ufficiali) e poter raggiungere in questo modo la Terra Promessa passando dall’Unione Sovietica è infatti un piccolo gioiello che troppo spesso viene oscurato dal più celebre “cugino”.

Li mortacci vostri.

Jojo Rabbit non è La vita è bella.

Non ne ha la pretenziosità, non ne ha la banalità.

Jojo Rabbit non è Train de vie.

Non ne ha la raffinata delicatezza di tono.

Ma è un’opera azzeccata e notevole.

Commedia nera, nazista ma non gaia, Jojo Rabbit è l’esperimento tanto strambo quanto incredibilmente riuscito di mettere alla berlina il nazionalsocialismo teutonico utilizzando come mezzo il candido occhio di un bambino che nutre verso di esso una ingenua esaltazione.

Quel mattacchione di Taika Waititi (nei panni anche del Fuhrer, ma ci torneremo poi) con la sua regia fracassona e godereccia crea uno spettacolo pirotecnico di magia e vita, permettendo al piccolo protagonista di risplendere di luce scenica e mettendolo come chiesa al centro del villaggio senza però caricarlo di eccessive responsabilità narrative grazie ad un gruppo di adulti in gamba.

Un’opera flamboyant, che riesce ad arricchire di comica poetica argomenti serissimi e drammatici, andando a intingere talvolta di nero fumo una commedia rischiosissima ma nella quale il gioco vale decisamente la candela.
Anche le gag più banali e scontate, talvolta basate su giochi di parole, vengono architettate con una precisione chirurgica, che ad un approccio poco attento sembrerebbe poco addirsi ad una commedia caciarona, cosa che Jojo Rabbit infatti non è.

Il contrasto dovuto ad un confronto impietoso tra la realtà storica e l’elemento farsesco della trama crea quindi un piacevolissimo stato di perenne assurdità, con la trama che diventa un trapezista circense in bilico tra la parodia e la farsa; nonostante ciò, non ci si dimentica della profonda ingiustizia di quell’epoca, e di quanto dolore e sofferenze abbia portato nelle vite di milioni di persone.

La morte e il cordoglio sono infatti gestiti da Jojo Rabbit con grande maturità e rispettosa grazia, senza lesinare talvolta qualche cazzotto ben assestato all’apparente tranquillità emotiva dello spettatore, magari adagiato sulle comode coltri dell’ironia.
Il film è ambientato nella Germania tardo nazista, e le atrocità di tale contesto storico-geografico sono ben presenti e mostrate al pubblico, pur se ornate talvolta da pagliacciata: quando viene utilizzata la sciabola dell’estremizzazione sarcastica funge però da importante veicolo attraverso il quale morte, paura e guerra vengono ferocemente criticate, esacerbandone i lati più assurdi ed iniqui.

Recitazione dei bambini di alto livello, con i piccoli protagonisti che, alla maniera di un Moonrise Kingdom, riescono ad essere ben caratterizzati ed estremamente accattivanti; scaldando il cuore dello spettatore, i ragazzini non sono gli insopportabili marmocchi che tanto infestano le pellicole a loro dedicate (a causa dell’erronea equazione “esagitato rompicoglioni=simpatico frugoletto”) ma personaggi delineati piacevolmente e dotati di delicate sfaccettature.

Taika Waititi un vero spasso nei panni di un Hitler prodotto dalla mente di un bambino e in quanto tale cartoonesco ed esagerato.
Nonostante si potesse calcare la mano sul leader nazista, rendendolo corposo ed ingombrante elemento, Jojo Rabbit sceglie al contrario di tenerlo come speziato contorno più che portata principale, aumentandone la carica comica e surreale grazie appunto al dosaggio della sua presenza.

Scarlett Johansson, che fa doppietta di Nomination agli Oscar con Storia di un matrimonio, nei panni di una madre coraggio ricca di spirito, ruoli che spero la portino sulla strada della vera recitazione a dispetto dell’inutile Vedova Nera in arrivo; il dinoccolato spilungone Stephen Merchant ottima scelta di cast per il gerarca nazista, grazie ad una fisicità che lo rende quasi più simile alla Morte personificata de Il settimo sigillo che ad una persona vera e disumanizza il suo ruolo professionale.

Menzione speciale per un Sam Rockwell potrebbe essere attore non protagonista pure in Declamazione dell’elenco telefonico di Biandrate e lo adorerei comunque, alle sue spalle Alfie Allen e Rebel Wilson simpatici in piccoli ruoli.

Consigliatissimo.

Storia di un matrimonio


Quando la routine morde forte, e le ambizioni sono al minimo

E i risentimenti cavalcano alti, ma le emozioni non cresceranno
E noi stiamo cambiando i nostri modi di essere, prendendo strade diverse
L’amore, l’amore ci farà a pezzi di nuovo.

TRAMA: Un regista teatrale e sua moglie, attrice, passano attraverso un estenuante divorzio che li porta all’esasperazione personale e creativa.

RECENSIONE:

Scritto e diretto da Noah Baumbach, Storia di un matrimonio è un efficace dramma familiare che riesce, grazie soprattutto ad una scrittura realistica e cruda, oltre che per due interpretazioni veramente sul pezzo, a rappresentare appieno le nevrosi ed il dramma interiore di una coppia che scoppia.

Molto apprezzabile in particolare un tono generale che, senza scadere in patetismi inutili e mantenendosi invece su binari di grande intensità emotiva, permette alla pellicola di sfruttare le sue due ore e un quarto di durata per evidenziare i differenti punti di vista all’interno di una crisi matrimoniale.

Non è uno scontro tra la ragione ed il torto: solo due individui con personalità e punti di vista contrapposti riguardo temi comuni della vita insieme, quali la carriera lavorativa (in questo caso intrecciata e per entrambi assai ambiziosa), il difficile mestiere di educare e stare accanto al proprio figlio nonché i frequenti ed importanti spostamenti necessari per condurre allo stesso tempo i propri sogni e progetti professionali.

Ciò che rende Storia di un matrimonio (o per meglio dire della fine di un matrimonio) un’opera così ben fatta è sicuramente la sapiente gestione delle varie fasi narrative, che vengono presentate con organicità e senza mai dare l’impressione di inserimenti forzati per la necessità di mandare avanti la trama.

Il rapporto tra Charlie e Nicole si dipana come le varie tappe di un pullman itinerante.
Abbiamo fin da subito un inizio azzeccatissimo, grazie alla scelta di porre in apertura una declamazione di che cosa ognuno ami e apprezzi dell’altro: dato che il film verte sulla fine di una relazione coniugale, ciò contribuisce infatti a mostrare efficacemente come parta un legame tra due persone che al momento il pubblico non conosce, e della cui storia assisteremo per le successive due ore.

Le voci fuori campo dei due hanno lo scopo di prendere delicatamente per mano lo spettatore, facendogli assaggiare i lati migliori di una relazione apparentemente felice e dolce, ma purtroppo già in fase di rottura; le parole pronunciate dai due sposi si fondono alle immagini a loro sostegno come fossero gli affluenti dello stesso fiume, traghettando la fragile barca che è appunto l’occhio esterno del pubblico, che si ritrova quasi nei panni di un conoscente reale.

Il teatro, ambito lavorativo dei due, è metafora ideale di una rappresentazione della vita che vita in senso stretto non è: sul palco gli attori recitano un ruolo, così come purtroppo può capitare in un ambito di coppia.

Una relazione amorosa deve basarsi, oltre che sull’ovvio rispetto necessario in qualsiasi rapporto umano, sulla sincerità e sulla condivisione, di piccoli e grandi momenti che, magari banali, magari apparentemente scontati, lastricano invece la strada per il futuro della coppia.

Ogni risata, ogni confronto, ogni dialogo ha come unico scopo quello di apertura del proprio sé all’altra persona; mai bisognerebbe fare l’errore di indossare una maschera che, col tempo, inevitabilmente è destinata a cadere, rivelando ciò che si è realmente.
La vita può essere considerata una recita pirandelliana, in cui ognuno di noi assume una diversa connotazione personale in base alla situazione in cui si trova e a coloro con cui abbia a che fare, ma è solo una volta rivelatisi che si può affrontare con vera maturità una relazione.

Il legame professionale oltre che umano tra il marito regista e la moglie attrice ingarbuglia ancor di più una relazione già non semplice, ed è estremamente interessante osservare come i due cerchino di giostrare e giostrarsi con successo alterno quanto riguardi la propria vita insieme come coppia ed il loro rapporto lavorativo.

Ciò evidenzia ancor di più il legame inscindibile tra la nostra vita privata e quella produttiva, quanto il benessere di uno infici o meno sulla serenità dell’altro.

Mostrano i muscoli gli attori protagonisti.

Adam Driver dimostra una volta di più quanto sia omicida conoscerlo solo per un personaggio mal scritto come Kylo Ren, aiutato anche da una sceneggiatura che per una volta non dipinge il maschio come un eroe moderno schiacciato dagli eventi o all’estremo opposto un beota fedifrago.
Il suo è un ruolo di grande complessità e delicatezza, che spero possa essere preso come esempio in futuro da una Hollywood che non dovrebbe essere timorosa di rappresentare le fragilità del maschio occidentale.

Scarlett Johansson intensa nel suo rappresentare un uccello in gabbia dorata alla ricerca della propria voce.
Una donna che non vuole più essere un’ombra, professionale e non, del consorte, ma è come non mai desiderosa di poter spiccare il volo e tracciare la propria rotta: la sua femminilità è quella di madre e di donna in carriera, che non ha bisogno dell’attrattiva fisica perché già possiede quella mentale.

Laura Dern e Ray Liotta buone aggiunte di contorno nei panni di due squali del foro che contribuiscono ad inacidire ancora di più il confronto. Risultato azzeccato con i sessi abbinati (stessi cromosomi tra cliente e legale), anche se un incrocio dei ruoli sarebbe stato a mio parere molto più interessante, per quanto complesso da realizzare in via pratica.

Un film decisamente consigliato, disponibile su Netflix.

I due papi

[Premessa: chi scrive è un ateo praticante]

Distribuito da Netflix, “I due papi” è un film discretamente interessante incentrato su una rappresentazione (volutamente piuttosto romanzata) del passaggio di testimone tra i due pontefici Benedetto XVI e Francesco.

Ciò che lo rende appetibile per un pubblico al di fuori del gregge cattolico è il suo concentrarsi sulla religione in modo relativo, facendo emergere (giustamente) più un umano confronto di opinioni.

Un’organizzazione vecchia di due millenni sta perdendo l’appeal e la forza che l’hanno contraddistinta per il corso della sua esistenza. Che fare?
Tentare di renderla sempre più forte e granitica, in modo che sia un punto di riferimento e quindi per definizione tragga la sua legittimazione dal restare immota ed immutata, oppure viceversa provare a portarvi delle aperture che con il tempo la rendano più liquida e legata alla società del nostro tempo?

Entrambi gli approcci hanno vantaggi e svantaggi, pro e contro, ed il film centra l‘obiettivo di rendere interessante questa contrapposizione di figure opposte, coperte però dallo stesso ombrello della Chiesa: due decani dalle esperienze diametralmente differenti ma mossi da una sincera volontà di servire al proprio meglio il seggio di Pietro.

La pellicola riesce a rendere questo scambio di idee equilibrato, fornendo sì più spazio a Bergoglio (soprattutto grazie ad una lunga serie di flashback che ne mostrano la gioventù segnata dal controverso legame con il regime dittatoriale del suo Paese), ma non cadendo nella faciloneria di dipingere l’argentino come un Voltaire illuminato al cospetto di un Ratzinger ottusamente retrogrado.

Il tedesco è infatti visto come un uomo oberato di enormi pesi, dovuti sia al suo stato di salute personale che al suo essere pontefice in un periodo storico estremamente complesso per la Chiesa e al suo esterno.
Se posti nei suoi panni il suo punto di vista di uomo teorico e strettamente intellettuale è logico, perciò non si scade in una rappresentazione del ben poco carismatico Benedetto come un Imperatore Palpatine colluso e austero.

Pregevole per somiglianza estetica la scelta dei due attori, Anthony Hopkins e Jonathan Pryce; sottilmente ironico che Pryce presti il volto al papa Francesco dopo essere stato oggetto per anni di battute derivanti dalla sua somiglianza tra il cardinale sudamericano e l’High Sparrow di Game of Thrones da lui interpretato.

Consigliato.

Cena con delitto – Knives Out


Never bring a knife to a gunfight…

TRAMA: Dopo l’apparente suicidio di un celebre scrittore di romanzi gialli, avvenuto in circostanze misteriose poco dopo il suo 85º compleanno, un investigatore privato e due poliziotti si ritrovano a indagare sul caso, tra bugie e depistaggi: tutti i membri della numerosa famiglia disfunzionale del defunto avevano un movente per il delitto…

RECENSIONE:


Diretto da Rian Johnson, che…




No, aspetta un attimo, dove ho già sentito questo nome..?




NON SARÀ MICA QUELLO DI…



PER L’AMOR DI DIO ABBANDONATE LA NAVE! PRIMA I BAMBINI E I RECENSORI!


Scherzi a parte, scritto e diretto dal procreatore di uno dei peggiori Anticristi della cultura cinematografica pop, questo Fuori le lame è un simpatico ballo di canaglie che intrattiene grazie ad un accurato uso di coralità narrativa, che rende il film accattivante e azzeccato.

La pellicola è caratterizzata infatti da una regia solida nella scelta di inquadrature e tipologia di montaggio, che presenta un’impostazione quasi teatrale e che trova una sua raison d’etre nella necessità di valorizzare una nidiata di personaggi bisognosi di ovvio spazio e scopo.

A trarne giovamento è sicuramente il ritmo, ben orchestrato per quanto riguarda accelerate di frenetica attività che però non smarriscono il piacere legato ai momenti di pausa espositiva, la cui alternanza è ben calibrata evitando perciò il pericolo, presente talvolta nei gialli, di eccessiva discrepanza organizzativa tra le varie fasi di svolgimento della vicenda.

La struttura del giallo, apparentemente piuttosto classica (ricchissimo ottuagenario morto di quella che sembra sua mano, preoccupante stuolo di congiunti con possibili moventi) cambia traiettoria dopo poche decine di minuti.

Evitando elucubrazioni troppo elaborate per quanto riguarda l’atmosfera della storia e focalizzandosi invece sui suoi contenuti, si opta infatti per dei canoni più da giallo vecchio stile alla Agatha Christie shakerato con la placida prosecuzione flemmatica di un episodio del tenente Colombo: si procede quindi spediti lungo un plot che sa quando sfruttare alcuni intrecciati arzigogoli, ingorgandosi via via di nuovi elementi che mantengono viva l’attenzione del pubblico.

Quest’ultimo è un elemento la cui ricerca è ovviamente essenziale nella costruzione di un intreccio giallo, e Cena con delitto centra sicuramente il bersaglio: non bisogna infatti dimenticare o dare per scontato che per quanto possa essere banale e diretta oppure complessa e impervia, una storia è mera cattedrale nel deserto se non riesce attivamente a catturare occhio e mente del pubblico, creando quel collegamento mentale così fondante tra l’opera ed il suo fruitore.

Esteticamente risulta pregevole l’uso del colore, con i vari personaggi che ricordano i potenziali assassini del celebre gioco da tavolo Cluedo (citato anche nel film stesso): non il Colonnello Mustard, il Professor Plum o il Reverendo Green ad aggirarsi per le sale della magione del dottor Black, ma dei famigliari rancorosi e che gareggiano a livello olimpico nel nascondere scomode polveri sotto il tappeto.

Per quanto dallo spazio magari in alcuni elementi piuttosto risicato (ma per valorizzarli tutti sarebbe allora servita una serie televisiva), ogni componente del cast trova una sua piccola o grande caratterizzazione che lo rende piacevolmente stereotipato, senza però deflagrare nella fastidiosità tipica di un personaggio eccessivamente ed inutilmente abbozzato.

Cast ricchissimo che offre solide prove interpretative.


Dai veterani Jamie Lee Curtis e Don Johnson, coppia che tra le righe riserva più di una sorpresa, allo storpio Michael Shannon, qui in un ruolo piccolo ma ben valorizzato, fino ai giovani Jaeden Martell (Bill Denbrough nei recenti It) e Katherine Langford (suicida nella discussa serie tv Netflix Tredici); ogni volto una storia da raccontare, ogni figura un lato oscuro da nascondere.

Daniel Craig si aggira quale alfiere bianco in una scacchiera che è un ginepraio, accompagnato da una Ana de Armas che abbandona i panni seduttivi visti in Knock Knock o nel più recente (e apprezzabile) Blade Runner 2049 offrendosi in un ruolo di maggiore sensibilità e genuinità.


Consigliato, una piccola chicca che pare quasi fuori dal tempo.

The Irishman


I heard you paint houses.

TRAMA: Un uomo ricostruisce il suo possibile coinvolgimento nell’uccisione di Jimmy Hoffa, il controverso sindacalista statunitense accusato di complicità con la mafia e morto in circostanze misteriose.

RECENSIONE:

1) La CGI per il ringiovanimento degli attori funziona soprattutto nella seconda parte del film. Nel segmento iniziale denota alcuni momenti scricchiolanti, in parte per l’ovvia maggiore differenza d’età, in parte per la tipologia di scene in cui alcuni personaggi sono coinvolti.

2) Ciò porta ad una lieve opacità espositiva per quanto riguarda i piani temporali, che essendo sovrapposti e vedendo partecipe questo camuffamento d’età artificiale, non sempre sono chiarissimi.

 

 

Escludendo questi due punti, uno dei migliori film che io abbia mai visto.

 

 

Questa è la recensione più consona che mi sia venuta in mente.

Le ragazze di Wall Street – Business Is Business


Baby, take off your coat
Real slow
And take off your shoes
I’ll take off your shoes
Baby, take off your dress
Yes yes yes

TRAMA: In seguito agli effetti della crisi finanziaria del 2008, delle spogliarelliste formano un gruppo di ladre professioniste: dopo averli adescati e drogati, derubano i loro facoltosi clienti.
Ispirato a fatti realmente accaduti.

RECENSIONE:

Diretto da Lorene Scafaria, già alla regia di Nick & Norah, Le ragazze di Wall Street è un documentario di due ore piuttosto ordinarie sul rapporto tra la figa e il denaro.

Alcuni uomini usano il secondo per arrivare alla prima.

Alcune donne usano la prima per arrivare al secondo.

I due sono le colone portanti del film: non si lesina appunto nel sottolineare le disparità di mezzi tra gli uomini, identificati generalmente in beotoni dagli istinti piuttosto triviali e immediati, e le donne, costrette a causa di un rapporto di forze impari per quanto concerne i ruoli di vertice ad operare di necessità virtù, utilizzando prevalentemente le doti concesse loro da Madre Natura.

Il gruppo di protagoniste sfrutta infatti la debolezza principe del maschio per estorcergli ricchezza, accumulandone quindi ai suoi danni; quasi incarnando un ruolo da Robin Hood sui generis, le fanciulle si appropriano dei soldi appartenenti più o meno lecitamente ai ricchi utilizzando la loro determinazione, il loro savoir faire ma soprattutto…

Se il tema delle disparità di genere in un mondo spietato come quello smaccatamente capitalistico degli Stati Uniti poteva essere un punto di partenza assai interessante, la pecca principale di questo film è però di risultare fin dalle prime battute un’opera eccessivamente semplicistica e didascalica.

L’esposizione narrativa non è infatti mai del tutto convincente, poiché non affondando eccessivamente il colpo sulle dinamiche sociali che portano alle già citate diseguaglianze di ceto (e/o genere), non dimostra quindi quella profondità narrativa necessaria come l’acqua nel deserto per non ridurre la pellicola alla sagra dello stereotipo.

I personaggi presentati lungo il corso della vicenda sono infatti quelli legati principalmente ai macro-temi narrativi della rivalsa sociale e dell’iniziazione ad un gruppo.

La novizia si trova immersa in un ambiente che inizialmente non le appartiene ma a cui progressivamente si adatta, esponendosi quindi come l’individuo a cui venga prevalentemente indirizzata l’empatia del pubblico.
Affossata da problemi famigliari (figlia piccola, madre anziana, un partner inaffidabile) ella tenta disperatamente di prendere in mano le redini della propria vita, cogliendo al volo le occasioni, legali o meno, che le si presentino giustificandosi al mondo e a se stessa con il suo stato di necessità.

All’altro lato della bilancia abbiamo la matura scafata dall’atteggiamento molto più arrivista, materialista e legalmente ben oltre il borderline, che diventa chioccia del personaggio precedente introducendolo alle gioie dell’illegalità.
Essere umano colpito duro dalle avversità della vita, trova nell’apparente disparità tra i bisogni sessuali dei due generi una leva da utilizzare come novella Archimede per ottenere ciò che vuole, ritenendo illegittima la proprietà degli attuali detentori.

Intorno a loro gravitano delle comparse dalle storie bene o male equivalentemente tristi, o comunque caratterizzate da ristrettezze economiche o da un substrato sociale difficile.
Purtroppo ad eccezion fatta delle figure principali, comunque banali e noiose, esse risultano ruoli troppo abbozzati per ritagliarsi uno spazio che non sia esclusivo di una specifica caratteristica, dimostrandosi personaggi troppo bidimensionali e smussati con l’accetta.

Se Costance Wu abusa troppo dello sguardo da cagnona bastonata, Jennifer Lopez si conferma MILF Queen: dall’alto dei suoi cinquant’anni di seduzione mette ancora in riga le sbarbine grazie sia ad un ruolo cucito su misura per un’interprete dalla sua fisicità, sia perché costituisce l’unico nome dalla Fama maiuscola in un cast di figuranti.

Nonostante però in contesti prettamente statunitensi si sia pure ventilata una possibile candidatura agli Oscar, JLo risente troppo della già menzionata bidimensionalità caratteriale della sua Ramona, che la porta ad un’inevitabile parallelismo con gli Alonzo Harris del Training Day di turno, di cui la cantante risulta però una pallida copia da discount.

In conclusione, Le ragazze di Wall Street è un film che, escludendo un pubblico attratto dal fascino della Madre che Mi Piacerebbe Fottere, offre molto meno di quanto le sue pur buone basi avrebbero potuto rivelare.

Sufficiente sì, grazie comunque ad un comparto tecnico/artistico di fattura tutt’altro che scadente, ma che non si eleva da un sei di stima.

Un’occasione persa.

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