L'amichevole cinefilo di quartiere

Archivio per gennaio, 2019

Polar

Pur presentando una MAREA di ingenuità narrative e basandosi su una storia di non iperbolica originalità (criminale vecchio lupo grigio affronta ricambio generazionale forzato causa masnada di agguerriti sbarbatelli), “Polar” è un film Netflix che centra il bersaglio offrendo un intrattenimento basilare ma non fiacco.

Diretta da tale Jonas Åkerlund, ex batterista svedese (ok…) e regista di videoclip, la pellicola presenta una discreta amalgama tra decente introspezione psicologica dei personaggi, sequenze d’azione piuttosto brevi ma non disprezzabili ed un uso abbastanza compiaciuto della violenza visiva, la cui unione ha come risultato due ore interessanti e godibili.

Centro di gravità permanente del film è ovviamente Mads Mikkelsen, il cui sguardo torvo unito ad una postura da grizzly infiacchito renderebbero inquietante pure l’Albero Azzurro.
Ruolo secondario per l’ex “High School Musical” Vanessa Hudgens, che generando nello spettatore una sorpresa pari ad un’apparizione di Medjugorje pare quasi in grado di recitare.

Menzione speciale per le ambientazioni di Toronto, che forniscono a “Polar” quella temperatura affettivo-emotiva di -20° C azzeccata per la storia.

Consigliato.

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Spider-Man: Un nuovo universo


Da grande cinefilia derivano grandi responsabilità.

TRAMA: A causa di un macchinario costruito da Kingpin, gli Spider-Man di universi differenti convergono in uno solo in cui l’Uomo Ragno è Miles Morales, un ragazzo di Brooklyn di origini portoricane.

RECENSIONE:

Raro caso di pellicola Marvel non avente come target intellettivo persone reduci da una commozione cerebrale grave, Spider-Man: Un nuovo universo è un esempio lampante di come anche la Casa delle Idee possa sfruttare le suddette idee per proporre al pubblico dei prodotti adatti a tutte le fasce di età, a patto che si decida di anteporre la narrativa sull’azione.

Il film vede infatti come pregio principale quello di riuscire ad orchestrare una storia in cui trovino ampio spazio e realizzazione degli importanti temi morali ed introspettivi, quali il trovarsi o meno a proprio agio nell’ambiente sociale circostante, la ricerca della propria strada indipendentemente dalle pressioni esterne e, ovvio leitmotiv nel caso del Tessiragnatele, la presa di coscienza delle proprie responsabilità.

Ogni versione dell’Uomo Ragno (talvolta nemmeno uomo, talvolta nemmeno umano) incarna infatti una particolare inclinazione dello stesso generico personaggio, risultando un catalogo di figure che sono allo stesso tempo tutti il medesimo individuo e tutti soggetti differenti.

Dall’imbolsito Peter B. Parker in crisi umana e “professionale” ad una tetra versione Noir direttamente uscita dalle pagine di un romanzo hard boiled, fino ad una colorata loli nipponica filo-robot e ad un assurdo maiale fuori di testa, lo spettatore si trova quindi di fronte interessanti varietà di un elemento che già conosce bene, risultando affascinato ma non negativamente spiazzato.

Tra le versioni alternative spicca sicuramente Gwen Stacy, proveniente da una realtà in cui è stato Parker a morire e il cui personaggio è stato scritto con un mix veramente azzeccato di girl power, indipendenza e grinta, senza però sembrare esagerato o forzato.
Non una principessa da salvare né una spietata guerriera picchia-tutti, quindi, ma una semplice giovane donna combattiva e decisa, che lotta per ciò in cui crede non facendosi mettere i piedi in testa dai maschietti.

Ciao, Emma Stone.

L’azione è sì presente, ma più a corredo dell’elemento umano che a suo scapito: grande contributo al lato intrattenimento viene dato da uno stile grafico che se nella raffigurazione delle figure umane risulta piuttosto particolare, quindi può piacere o meno, nei fondali mostra efficacemente i muscoli grazie ad un caleidoscopio di colori meraviglioso ed affascinante.

Elemento di pregio è anche l’ironia, anch’essa azzeccata e, soprattutto, inserita con misura e gusto, a differenza dello sbrodolamento di gag a casaccio ormai consueto per il luciferino connubio Marvel-Disney.

Degno di nota anche il comparto voci in lingua originale, tra cui risaltano Hailee Steinfeld come Gwen, Liev Schreiber per Kingpin e Mahershala Ali per Aaron Davis e Nicolas Cage per Spider-Man Noir.

Una delizia.

Vice – L’uomo nell’ombra


– «Le famiglie importanti spesso scordano una semplice verità, che io conosco».
– «Quale verità?»
– «La conoscenza è potere».
– [alle guardie]: «Tenetelo fermo. [le guardie immobilizzano Baelish] Tagliategli la gola. [gli puntano un pugnale alla gola] Fermi, aspettate. Ho cambiato idea, lasciatelo libero. Tre passi indietro, voltatevi, chiudete gli occhi. [Le guardie fanno esattamente questo][a Baelish] Il potere… è potere».

Aidan Gillen (Petyr Baelish) e Lena Headey (Cersei Lannister), Il trono di spade, episodio 2×01, Il Nord non dimentica.

TRAMA: L’ascesa all’interno della Casa Bianca del politico repubblicano e conservatore Dick Cheaney, diventato vicepresidente degli Stati Uniti durante i mandati di George W. Bush.

RECENSIONE:

Diretto da Adam McKay, che nel 2016 con La grande scommessa vinse un Oscar per la sceneggiatura, Vice è un potente e vibrante ritratto della vita di un uomo che ha donato la sua vita al servizio del Potere.

Elemento così apparentemente immateriale nella forma, astratto quanto un sentimento ma devastante nei suoi usi, il Potere è mezzo e veicolo attraverso il quale vengono condizionate quotidianamente le vite di milioni di persone, spesso senza che essi nemmeno se ne accorgano.

Il Potere è ciò che stabilisce le regole di condotta, ciò che fa cadere bombe sulla tua città, ciò che tenta di aumentare il prestigio internazionale dello Stato in cui vivi.

Il Potere è tutto questo, ed anche di più.

Come signori Macbeth che per seguire una fumosa e ambigua profezia tramano alla detronizzazione di Re Duncan, i Cheney hanno dato tutto loro stessi per il raggiungimento di un obiettivo ultimo: essere detentori di quel Potere, di quel prestigio, di quella superiorità effimera ma molto pratica che consiste nel decidere, nell’avere la possibilità di far diventare la propria parola come Legge.

Come si riesce a rendere quindi un personaggio grigio e burocratico come Cheney in un tema di vasto interesse cinematografico?

Arricchendo la narrazione: il film riesce a tenere alta l’attenzione dello spettatore nei confronti della trama nonostante i suoi 135 minuti di durata, e questo pur tendendo sovente a spiegare per filo e per segno molti passaggi tecnico-politici all’interno della trama, che non lesina l’introduzione, anche se breve, dei più svariati personaggi.

Grazie all’uso di piccoli espedienti narrativi, colpi di scena e dialoghi veramente ispirati è quindi piuttosto difficile annoiarsi durante la visione del film, cosa che sulla carta avrebbe potuto risultare non semplice visto il predominante tema politico statunitense.
Ciò permette di rendere al meglio la storia di quest’uomo, che ad un primo sguardo parrebbe scarsamente carismatico e grigio, ma che attraverso i vari passaggi della pellicola che mostrano la sua evoluzione si rivela allo stesso tempo estremamente persuasivo e convincente, scovando opportunità dove altri non ne vedono.

Con una regia ricca di “scorsesismi” (narratore diretto, sfondamento della quarta parete, uso di vere e proprie didascalie), McKay unisce nella sua opera i crismi della più ironica commedia, vero e proprio giornalismo documentaristico à la Michael Moore con tanto di fact checking ed evidenziando come la tragedia che è la Storia sia il risultaro di una enorme farsa.

Un ragazzone del Wyoming amante della birra e con la tendenza alle scazzottate si trasforma, grazie ad una sfrenata ambizione e all’attitudine nel trovarsi al posto giusto nel padre putativo della nazione, un non-eroe sottile e furbissimo, spietato verso i suoi avversari e diventato tutt’uno con quel Potere che tanto ha sempre cercato.

Vecchio, grasso e pelato, il suo stesso aspetto fisico è archetipico di quel politico repubblicano stereotipato da dibattito su Fox News.
A differenza però di una mera parodia, che avrebbe anche potuto provocare risate sguaiate, ma senza centrare appieno il bersaglio, il Chaney di Bale è ridicolo ma mai divertente: un arrampicatore calcolatore che riempie Washington di suoi uomini e suoi uffici per controllare il controllabile, e che arriva al potere dopo un passato da ubriacone senza obiettivi diversi da quelli ovvi e basilari del benessere e del comando, per sé e per la sua cricca.

L’ironia di McKay, non è quindi un semplice mezzo per fare ridere, ma assume i connotati di vero strumento narrativo, che serve ad illustrare il Male non nella sua banalità, ma nella sua pochezza contenutistica: un uomo che migliora esponenzialmente la propria condizione sociale sfruttando preziose informazioni, azzardate possibilità e la tremenda miopia intellettuale di coloro che lo circondano.

Cheney è un personaggio shakespeariano, Riccardo III che ha tenuto sia il cavallo che il regno.

Ennesima ottima trasformazione fisica da parte di Christian Bale, che ha aumentato il proprio peso corporeo di oltre venti chili grazie ad un regime alimentare basato sulle torte: per qualità il risultato è ottimo, molto simile, anche se virato più sulla commedia, a quello di Gary Oldman ne L’ora più buia.

Amy Adams come sempre eccezionale, qui nei panni di Lynne Cheney con una parrucca bionda che è ordinanza per la consorte bianca di un politico statunitense e che unita alle sue parimenti bionde figlie talvolta ricorda il make-up di Kate McKinnon nell’imitazione di Hillary Clinton.
Lynne è la Lady Macbeth che sostiene ed alimenta le ambizioni del marito (che sono poi le sue) per un posto al sole nel grande palco decisionale di Washington, colei che tenta di appoggiare in ogni modo la carriera militare di un uomo che passa da soldato semplice, spettatore di decisioni dalla portata mastodontica, a vero e proprio generale con capacità decisionali quasi illimitate.

Ottimo anche il cast di contorno, tra cui spiccano Steve Carell nei panni di un luciferino e viscido Donald Rumsfeld ed uno strepitoso Sam Rockwell come George W. Bush, che come in W. di Oliver Stone viene rappresentato anche in Vice come un incompetente idiotone circondato da squali.

Film decisamente consigliato.

Green Book

Il Negro Motorist Green Book, conosciuto come “Green Book” era una guida annuale per automobilisti afroamericani, pubblicata dal 1936 al 1966 ed elencante i servizi e luoghi relativamente cordiali nei loro confronti, in modo che essi potessero evitare disagi quali il rifiuto del cibo, dell’alloggio o il rischio di arresto arbitrario.

TRAMA: New York, 1962. Tony, italoamericano, lavora come buttafuori in un locale. Rimasto senza impiego, accetta di scarrozzare per gli Stati Uniti il pianista Don Shirley, impegnato in una tournée.

RECENSIONE:

Ispirato a una storia vera, questo film sul razzismo non è un film sul razzismo.

Non solo, almeno.

È un film sull’identificazione del sé all’interno di un nucleo socio-culturale.

Sul rapporto tra individuo e gruppo.

La pellicola eviscera questi temi attraverso il personaggio di Don Shirley (uno splendido Mahershala Ali, Miglior attore non protagonista agli ultimi Golden Globes): talentuoso pianista nero, colto, raffinato ed elegante, con l’anima spaccata in due per il suo trovarsi a metà strada tra le immagini egualmente stereotipate di due etnie contrapposte.

Egli non è “veramente nero” poiché distaccatosi, negli Stati Uniti di inizio anni ’60 profondamente razziali ancor più che razzisti, da una condizione di povertà economico-culturale a cui molti afroamericani erano sottoposti.

Ma non è nemmeno un “bianco acquisito”, perché pur intrattenendo grazie al suo indubbio talento musicale la facoltosa alta società del profondo sud del Mississippi è proprio da questa vessato, subendo la ghettizzazione di alberghi, negozi e persino strade.

Accanto al musicista vi è il verace e vorace Tony “Lip” Vallelonga (Viggo Mortensen), che più italo che americano, dopo alcune incomprensioni iniziali derivanti dal contatto forzato tra due pianeti distanti, si prenderà a cuore le sorti del suo momentaneo capo, comprendendo meglio la profonda lacerazione del di lui animo e riuscendo al contempo ad insegnargli ciò che la sua condizione altolocata non gli ha permesso di comprendere.

L’acqua della vita del film sono ovviamente i confronti dialettici più o meno accesi tra i due protagonisti, che proprio perché diversissimi in tutto riusciranno a creare un rapporto di reciproco rispetto sfociato poi in amicizia; coppia apparentemente male assortita, i corrispettivi punti di vista sugli Stati Uniti, sull’onore e sull’accettazione del proprio essere riescono a sfumare il bianco/nero di partenza in un pastoso grigio indistinto, appianando barriere sociali che ancora oggi il Nuovo Continente fatica a superare.

Green Book è l’ennesima pellicola che partendo da un passato più o meno recente va a suscitare nello spettatore un confronto mentale con l’attualità, dimostrando così che la Storia è sì la migliore maestra, ma si trova ad insegnare a una classe di sordi.

Consigliato.

Kidding

TRAMA: Protagonista da oltre 30 anni di uno show tv educativo per bambini, Jeff Piccirillo è conosciuto come Mr. Pickles. Buono, gentile e carico di consigli utili su tutti gli aspetti della vita, Jeff ha una vita privata disastrosa a cui il buonsenso di Mr. Pickles e il sostegno della sorella e del padre non riescono più a far fronte.

RECENSIONE:

Meraviglioso affresco di un uomo ben oltre l’orlo di una crisi di nervi, Kidding è una serie televisiva che mantenendo incisività nella sua durata non eccessiva (dieci episodi da mezz’ora scarsa ciascuno) presenta una storia interessante fatta di segreti e lacerazioni interiori.

Ogni personaggio ha infatti una doppia natura, che viene sapientemente svelata nel corso degli episodi: interpretati da un cast veramente in forma, ognuno di essi si tramuta in una figura controversa, attraverso anche un intelligente e non banale parallelismo tra la vita reale ed il microcosmo del programma tv, fatto di pupazzi stereotipici aventi una caratterizzazione basilare a misura di bambino.

Il contrasto tra il mondo crudo della vita quotidiana, con i suoi problemi, anche molto gravi, ed il regno della fantasia a misura dei più piccoli viene a sfociare in una distinzione quasi manichea tra verità e menzogna, identità pubbliche e private, facciate e interiorità.

Tornano a collaborare Michel Gondry e Jim Carrey dopo Se mi lasci ti cancello: Gondry, alla regia in più di metà degli episodi ha il grande merito di avervi impresso la sua impronta artistica e visiva, in particolare per quanto riguarda l’artigianalità tipica della creazione dei pupazzi del programma.

Il Signor Cetriolini di Carrey (con ovvi rimandi, durante il corso della serie, alla relativa verdura) è probabilmente la persona più dolce e gentile del mondo, prodiga di buoni consigli, sa far riflettere i bambini, coccolarli e divertirli (chiaro riferimento al realmente esistente Mister Rogers di Fred Rogers); anche nella vita reale il suo alter-ego Jeff Piccirillo non è un ipocrita, ma un uomo buono che tenta di vivere nella rettitudine più totale.

Un improvviso lutto provoca però un grave scisma psicologico nella mente di Jeff, che comincia ad accumulare una sobbollente rabbia che tende ad esplodere in situazioni di particolare stress, cosa che anche la sua vita lavorativa non gli lesina.

Non riuscendo a separare la sua vita privata da quella pubblica, sorge infatti un enorme problema legato alle difficoltà dell’uomo che si scontrano con l’immutato ed immutabile candore del personaggio (che deve rimanere “asessuato” e “sposato” anche se nello show non si sa con chi): iniziano quindi ad emergere le conseguenze negative di quello che è a tutti gli effetti un esaurimento nervoso: tanto da un lato il rapporto con i giovani spettatori che vedono in lui uno zio candido, quanto la più materiale catastrofe economica che potrebbe recare all’azienda di famiglia (diretta dal padre e in cui lavora anche la sorella come creatrice di pupazzi) e che costituisce un impero da centinaia di milioni di dollari.

Lo stesso titolo americano, Kidding (che significa “prendere in giro”, ma anche“ingannare”) fornisce un’azzeccata idea del tono della serie.

Jim Carrey mattatore, dimostra una volta di più che diretto da mano sapiente può essere ben più dell’esagerato buffone di The Mask o Bugiardo Bugiardo; l’attore canadese mostra nelle cinque ore complessive della prima stagione una varietà di emozioni e stati d’animo pazzesca, riuscendo ad essere efficacissimo sia come bonario e fatato Mr. Pickles che come il tormentato uomo di mezza età Jeff Piccirillo.

Ottimi anche gli interpreti di contorno: da Frank Langella padre totemico e dalla lingua tagliente, al giovanissimo Cole Allen ottima scoperta in un doppio ruolo, passando per le meravigliose Catherine Keener e Judy Greer nei panni di due donne tanto diverse quanto simili, nell’attraversamento di una crisi e nel desiderio di appagamento sessuale.

Consigliato, in attesa della confermata seconda stagione.

Aquaman

Il supereroe che vi farà bagnare.

TRAMA: Dopo gli eventi raccontati in Justice League Aquaman deve fare ritorno ad Atantide per assumere il suo ruolo di sovrano. Ma il Protettore degli Oceani viene chiamato a una nuova sfida, dovendo difendere il suo trono e la Terra dall’attacco congiunto del suo fratellastro principe Orm e di Black Manta.

RECENSIONE:

Concorso di Mister Canotta Bagnata intorno al quale è stato inspiegabilmente costruito un film, Aquaman è una delle pellicole più raffazzonate e baraccone dell’ultimo biennio: sfociando più che sovente nel trash (in)volontario fallisce nel tentativo di offrire uno spettacolo che non sia solo visivamente apprezzabile, ma anche narrativamente consistente.

Nello specifico il film presenta infatti una sceneggiatura troppo pigra e debole, che si limita ad inanellare ogni cliché possibile ed immaginabile tra quelli appartenenti al filone narrativo dei film supereroistici, uniti al classico viaggio dell’eroe.

Vorrei far notare che questo qui indossa dei pantaloni di pelle attillati in fondo al mare.

Possiamo notare, perciò, il protagonista recalcitrante al ritorno in un mondo che odia pur essendo in parte suo, il parente ambizioso e malvagio, lotte intestine di potere con la presenza sullo sfondo di una guerra imminente… tutti elementi cardine della tipologia narrativa di riferimento, con in aggiunta l’aggravante di una banale semplicità espositiva che si tenta però di ammantare di un fastidioso alone di complessa solennità, deleteria per un fumettone muscolare e scanzonato come questo.

Aquaman è infatti un film coattissimo.

«Aquamenne è er fijo da’a reggina de Atlantide e ‘sti pezzenti non je vojono da’ er trono! A’NFAMI-I!»

Equivalente cinematografico del cugino Carmine che in piedi sul Tagadà canta L’Amour Toujours con canottiera bianca, pantaloni Adidas stile Freddie Mercury a Wembley ’86 e petto peloso ornato da crocifisso con Cristo di due chili, la pellicola vede le vicende di un simpatico bietolone che divide equamente il proprio tempo tra il menare cazzotti, elargire battute di dubbio gusto e farsi insultare un po’ da chiunque altro.

Incrocio tra lo Steve Reeves icona dei sandaloni e Bud Spencer, questo colosso con gli shatush piglia a cartoni tutto ciò che gli capita a tiro, mandando tanti saluti a temi di vaga introspezione psicologica quali “anche se sono cattivi, non dobbiamo accopparli”, “svisceriamo il rapporto tra i supereroi e i normali esseri umani” e “perché Kevin Costner ha deciso di crepare nell’uragano?”

Input psicologici emergono da elementi scontati quanto la colomba pasquale il sei luglio: il solito flashback scorreggione sul nostro prode che da infante viene emarginato dai bulletti, solita incapacità di adattamento al mondo in cui ci si trova a causa sia delle proprie abilità quanto per il proprio lignaggio, solita contrapposizione tra chi lo odia, chi lo teme e chi ammira come una celebrità.

«Aspetta un attimo, sarò mica finito in una vergognosa cazzatona…?»

Personaggio che piacerebbe molto a zio Spartaco che gestisce una macelleria al Testaccio ascoltando gli stornelli mentre legge la formazione da’a Maggica, l’Aquaman di Jason Momoa è un tizio veramente enorme.

Ponendo la sua fisicità da Übermensch al servizio di un character ahinoi banalotto, escludendo l’ovvio fascino da bisteccone esercitato su un pubblico femminile con discreta fame, questo Arthur Curry è un semplice pupazzone dall’introspezione abbozzata, che vaga per il mondo con il sorriso ebete di colui che si è appena fumato il calumet della pace con Toro Seduto mentre in fondo al mar con il granchio Sebastian ci sta il suo fratello, sosia sfigato di Eminem a dare battaglia a destra e manca.

Jason Momoa alle prese con la tipica reazione delle fan in sua presenza.

Non basta a sollevare le sorti di Aquaman una discreta capacità registica per quanto riguarda le scene sottomarine che, abbondando di mostri vari, strizzano anche l’occhio alla fantascienza di svariati decenni or sono.
Apprezzabile e ben reso il gioco portante tra le differenze di fisica subacquea e superficiale, ma tale elemento, pur in un cinecomic, dovrebbe essere un contorno visivamente piacevole, e non l’asse portante di un film che, perdonate il facile gioco di parole, fa acqua un po’ da tutte le parti.

Amber Heard solita ultrafigona bidimensionale che con i suoi capelli rossi e l’essere quasi sempre zuppa d’acqua offre un sottotesto porno che presumo di non dover spiegare: poco sorprendentemente il suo personaggio funge da mero (o Mera) satellite amoroso del protagonista, potendo essere sostituito con un cartonato a forma di vagina senza alterare il risultato narrativo.

Ok.

Willem Dafoe come mentore potrebbe anche essere una scelta azzeccata, se non fosse che pure il suo ruolo possieda la profondità narrativa di una pozzanghera. Dolph Lundgren senza spiezzare in due nessuno con annesso imbarazzante crine rubicondo pare a suo agio in un cinecomic più o meno quanto il formaggio sugli spaghetti allo scoglio.

E i cattivi?

Beh, entrambi minestre più che riscaldate: uno è un Black Manta di rara piattezza che funge da mero veicolo per la vendetta unita ad una rivalsa generazionale buttata abbastanza a casaccio.

Ho detto Black MANTA, non MAMBA…

L’altro è l’Ocean Master di Patrick Wilson, aficionado di Wan con cui è alla quinta collaborazione e che, oltre a possedere uno dei nomi più ridicoli nella storia del fumetto americano, imbastisce con Momoa il rapporto che sussisterebbe tra Edmund e Edward del Re Lear se il Bardo avesse scritto tale opera sotto effetto di pesanti oppiacei.

Ogni tanto si parlano, poi si menano, poi si parlano mentre si menano…

Un film che è una burinata unica.

Consigliato però se siete in possesso di una vagina funzionante.

TOP/FLOP 2018

Ovvero il meglio e il peggio dell’anno appena trascorso. IMHO, ovviamente.

Dopo le edizioni 2012201320142015, 2016, e 2017, torna il mio breve riassunto dell’ultima annata cinematografica, con il top e il flop di ciò che mi è capitato di vedere in questo 2018.

Per ogni pellicola il link alla recensione (in blu se presente).

N.B. Come sempre NON è una vera e propria classifica, i film sono inseriti in semplice ordine alfabetico.

 

TOP 2018:

La ballata di Buster Scruggs di Joel ed Ethan Coen.

Efficace antologia di fiabe nere inserite nel peculiare mondo del selvaggio West, sei episodi che vanno a pennellare ritratti di Copley raffiguranti varie anime in cerca di redenzione, di amore, di realizzazione personale.

Nonostante varie incursioni nel grottesco, l’atmosfera che si respira e nera e sulfurea come polvere da sparo, caratterizzata da uno spiccato fatalismo che, in connubio con un’impronta parabolica e quasi assurdamente pedagogica, rende le peripezie degli uomini crude favole degli sterminati Grimm che sono gli Stati Uniti.

 

Il filo nascosto di Paul Thomas Anderson.

Elegante e sofisticato come un abito di alta sartoria, un film che riesce al contempo nella non facile impresa di raffigurare un ritratto di coppia intenso sotto l’alone opacizzante delle formalità.

Day-Lewis solito fuoriclasse per quella che è la sua ultima apparizione sulle scene e costumi premiati giustamente con l’Oscar per una trama fitta di piccole accortezze, che come minute cuciture vanno ad ornare il reticolato di stoffa che è la vita.

 

L’isola dei cani di Wes Anderson.

La summa di tutto ciò che è Wes Anderson: gli stilemi, le tecniche narrative, la tipologia di personaggi… il tutto unito ad un’efficace rappresentazione delle discriminazioni, delle paure e della forza dell’amicizia trasposte nel rapporto tra un ragazzo ed il suo compagno a quattro zampe.

Cast a cinque stelle, una pellicola che scalda il cuore ad amanti degli animali e non, simpatica e commovente.

 

Roma di Alfonso Cuarón.

Il ritratto di una famiglia borghese nella torrida Città del Messico del 1971 per un affresco in movimento di rara potenza emotiva.
Un Amarcord in salsa messicana si dipana con una città in tumulto sullo sfondo, in cui violenza e passione vengono simboleggiate da immagini ora metaforiche, ora concrete e sanguigne.

Un film di donne, di madri, di persone semplici ma combattive.

 

Tre manifesti a Ebbing, Missouri di Martin McDonagh.

Commedia nera che rappresenta la rabbia di una madre in furiosa e determinata ricerca di risposte, una pellicola amara in cui un’intera cittadina con le sue debolezze, mancanze e rancori funge da corollario al dramma di un singolo.

Eccezionale il terzetto McDormand – Harrelson – Rockwell per un pugno nello stomaco diretto alla comfort zone dello spettatore, un dramma fuori dagli schemi.

 

MENZIONE SPECIALE: Bohemian Rhapsody di Bryan Singer.

Atto d’amore verso una delle più grandi band della storia della musica, pur non attenendosi fedelmente alle reali vicende del gruppo riesce a giostrare il comparto musical-emozionale in modo estremamente azzeccato, risultando un’esperienza multimediale non limitata al mero cinema.

Sugli scudi un cast identico agli originali.

 

FLOP 2018:

Cinquanta sfumature di rosso di James Foley.

Inseguimenti in auto, ricatti, tentativi di omicidio ed altre amenità per il film che, abbia pietà Nostro Signore, sancisce la conclusione di questa discesa in picchiata verso gli abissi della follia umana, orpellata dalle solite patetiche pruriginate per intrigare la casalinga di Voghera.
Ovviamente terzo miglior incasso in Italia del 2018, avanti così.

Uno dei franchise più orribilmente imperdonabili nella storia della cinematografia, chi ne ha promosso la diffusione dovrebbe avere la decenza di vergognarsi.

 

211 – Rapina in corso di York Shackleton.

Puttanata da un’ottantina di minuti che Nicolas Cage passa a latrare come un vecchio bulldog ferito, immerso in una tristissima accozzaglia di stereotipi, così esagerati da risultare francamente offensivi per l’intelligenza dello spettatore.

Ogni tanto si spara ma senza grinta, ogni tanto si parlotta ma senza acume, ogni tanto si cazzeggia semplicemente per tirare avanti il brodo. Un pimpante tedio mortale come solo Nick Gabbia può regalarci.

 

Hurricane – Allerta uragano di Rob Cohen.

La sagra dell’assurdo: una pellicola catastrofica nel senso letterale del termine, con effetti speciali raccapriccianti, una recitazione che mi sentirei sporco anche al solo commentare ed un inseguimento finale che farebbe impallidire per scempiaggine quello dell’aeroporto di Fast & Furious 6.

Cosa ci facciano qua dentro degli onesti mestieranti come Toby Kebbell e Leslie Bibb è un mistero.

 

Pupazzi senza gloria di Brian Henson.

Se vi ha fatto ridere prenotate un intervento di vasectomia.

Pago io.

 

Slender Man di Sylvain White.

Benvenuti nel 2012, signore e signori: se realizzare una pellicola fuori tempo massimo su di una creepypasta divenuta poi videogioco non vi sembra un’idea sufficientemente stronza, sappiate che questo film è pure un’abominevole cazzata.

Unite ogni stereotipo immaginabile riguardante le zoccolette high school carismatiche quanto scarpiere e gli horroracci da quattro soldi: avrete come risultato un’atroce robaccia che non dovrebbe trovarsi sul piano dell’esistente.

 

MENZIONE SPECIALE: Malevolent – Le voci del male di Olaf de Fleur Johannesson.

Una trama noiosa con al centro dei personaggi noiosi caratterizzati in modo noioso, mostrati attraverso scelte registiche noiose che sviluppano temi noiosi tramite un montaggio noioso per un film noioso, ideale per la posologia nella cura dell’insonnia.

Un’ora e mezza della mia vita che non avrò indietro mai più.

 

RECENSIONI 2018 PIÙ LETTE (collegamento cliccando sul titolo):

  1. Jurassic World – Il regno distrutto
  2. Avengers: Infinity War
  3. Animali fantastici – I crimini di Grindelwald
  4. Sono tornato
  5. Bohemian Rhapsody
  6. Venom
  7. Tre manifesti a Ebbing, Missouri
  8. Solo: A Star Wars Story
  9. Cinquanta sfumature di rosso
  10. La forma dell’acqua

 

Come sempre, un ringraziamento a coloro che mi hanno seguito durante questo 2018 cinematografico e un augurio a tutti di buon anno nuovo, che spero sia ricco di soddisfazioni.

E di buon cinema.

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